De la experiencia y el dios de las seis cuerdas II

The Jimi Hendrix Experience - Are You Experienced? (1967) [Edición EUA]
- excuse me while i kiss the sky -

Are You Experienced? no es una simple pregunta. Muy sutilmente implica un reto, un desafío. Es también una advertencia: te diriges hacia lo desconocido, y con esto, rápidamente se inicia un diálogo entre el escucha y la alteridad, Hendrix es solamente un mediador más. Por si fuera poco, el título cobra otro significado después de haber escuchado el disco, ¿quieres más?
Are You Experienced? es como un viaje incómodo patrocinado por el LSD con muy pocos espacios para la serenidad. La propuesta musical lleva a las sensaciones a lo más alto. Cuando finalmente logra haber un momento de tranquilidad, digamos, This May Be Love, es sólo para sumergirse en una hipnosis profunda. La voz de Hendrix (que nunca se decide entre cantar, hablar y gritar) lanza frases incomprensibles como "I can see my rainbow calling me yeah". Así, de esta manera Hendrix hace de Are You Experienced? una especie de poemario, a veces tan alucinante que es difícil verlo en panorámico; es preferible si se le desglosa. Pensamientos alienígenas sobre la naturaleza humana en Third Stone from the Sun. La locura y el desorden de Purple Haze: Is it tomorrow, or just the end of time? pregunta Hendrix. Love or Confusion, el trillado tema de amor hecho con frases que nada tienen de prefabricadas: My heart burns with feeling, but my mind, it's cold and reeling. Una afrenta directa a las baladas románticas, y es que en lugar de sonar sobrios y limpios, la banda optó por los altos decibles y la ejecución cruda.
Dentro de la misma línea, Hendrix, consciente de lo que la mujer significaba para él, reservó un lugar especial para ella. Aunque lo expresaba de maneras muy particulares, él estaba completamente enamorado de la feminidad. Ya sea la mujer asesinada en la legendaria historia de Hey Joe, como objeto de deseo en Foxey Lady. E incluso en Fire, donde el despecho de un hombre por una mujer lo conduce al valle de la amargura. Al final, es ella quien altera los sentidos de la realidad, cual droga, un misterio al que Hendrix se atrevió a enfrentar. Sólo él sabe si tuvo éxito. Por su parte, el desenlace del disco también juega con lo enigmático. La canción que bautizó al álbum es un mantra que engloba las ideas de todo Are You Experienced? De alguna manera ayuda a asimilar y orientar su contenido. Después, el fuego interno que lo mantiene con vida y en movimiento lo consume casi al instante. Las cenizas son llevadas por el viento sin destino aparente, de forma muy parecida a la incertidumbre que Hendrix expresaba: "will i live tomorrow? well, i just can't say, but i know for sure i don't live today".

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De la experiencia y el dios de las seis cuerdas I

Los bordes entre historia y leyenda en torno a Jimi Hendrix no son muy precisos. Ambas realidades conviven e integran nuestra idea de él. Encima, tenemos las declaraciones más sensacionalistas (el mismo título que elegí para esta entrada lo confirma): "Un adelantado a su época", "su música es altamente influyente" o la no menos pretenciosa "el mejor guitarrista del rock". Suponiendo que todas estas premisas fueran ciertas, sería fácil pensar que su música se conserva dentro de los primeros planos de la actualidad. Sin embargo, si uno se adentra ligeramente en los imaginarios, se topa con figuras mucho más poderosas. No trato de plantear una contradicción, así como tampoco trato de desmitificar al héroe. La cuestión se centra más bien en la forma en que se vive la experiencia de Jimi Hendrix, y es que a diferencia de otros muchos consagrados de la música, The Jimi Hendrix Experience se asimila de manera muy particular. Para empezar, nunca se habla de un disco clásico de la banda. Los tres discos son vistos como iguales. Otra idea (muy debatible), es que carece de una canción icónica coreada de generación en generación. Para Jimi Hendrix la canciones eran pequeños relatos. Finalmente, no tuvo (ni sigue teniendo) la sobre mediatización tan común que construyen a las leyendas. Sobre este supuesto, Hendrix es como el héroe del que se sabe (se obvia) su existencia pero no es muy recurrido. Con todo, hablar de The Jimi Hendrix Experience sigue siendo pertinente hoy día. No por nada la leyenda se sostiene casi por si misma: hubo un hombre negro que tocaba la guitarra como nadie.

En su persona convergieron técnica, creatividad, ingenio y destrucción. La muerte prematura de Jimi a los 27 años vino a terminar con el grupo e inmediatamente iniciar un proceso de inmortalización. Ahora bien, como suele pasar, el enaltecimiento de algo eclipsa su alrededores. The Jimi Hendrix Experience se generó también por el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell, ambos del nivel musical del guitarrista. Los tres (y ahora sí me atrevo a hacer un juicio), formaron una de las bandas más productivas y efectivas del rock: En año y medio grabaron 3 discos exitosísimos. Y bien, ¿habría seguido en ascenso la carrera de Hendrix? No lo sé, tal vez. Yo prefiero pensar que cada una de las canciones es un fuego interno manifestándose. Escucha, te están hablando.

Del espíritu indie y el regreso del sintetizador V

Ratatat - Ratatat (2004)

El dueto Ratatat adquiere la personalidad de un robot, a veces un tanto trepidante y otras simplemente se limita a recrear ambientes. Evan Mast y Mike Stroud provienen de Estados Unidos. Su proyecto se materializó bajo el sello independiente XL Recordings. En esta primera producción homónima, Ratatat trabaja con piezas separadas. Textura electro, estructura rock, rítmica Hip-Hop. Si bien, debido a su pureza instrumental, nunca llega a inclinarse por un género en particular. Técnicamente el sonido es limpio, dejando en claro una democracia entre sus instrumentos. El sintetizador colabora con la introspección del disco. Por su parte, la guitarra sin ser virtuosa, entra y sale de manera precisa. Así, se logra una sólida mancuerna, lo cual me remite a la sencillez de producción. Son contados los elementos extras que destacan, con excepción del bajo y samples de voz entre algunas pistas que a mi parecer son innecesarias.

Al arranque, el álbum se presenta como una electrizante propuesta. Los dos primeros temas parecen estar diseñados para un Tetris moderno. Sin embargo, progresivamente los sonidos se dosifican hasta llegar a los niveles etéreos de Everest o Bustelo. Partiendo de esto, la obra se impregna de un aire taciturno y meditativo, con algunas notables insurrecciones. La canción Crips con clara influencia Daft Punk y un bajo hipnótico durante el puente. O Germany to Germany, un himno de guerra electrónico y una de mis favoritas. Lo triste es que me da la impresión que más de una canción son meros rellenos. Por ejemplo, Cherry, canción de cierre (y antiguo nombre de la banda), con un inicio a la The Postal Service deprimido, llega a cansar por su reiterativo sonido.
Así queda la situación. Con un mínimo de distractores, Ratatat dirige al escucha hacia el corazón de su música, la simbiosis guitarra-sintetizador. Ambos cooperando, en ningún momento se percibe una tensión. Eso sí, hay un constante jaloneo entre las formas más serenas y más provocativas que puede dejar inconforme a más de uno. Pero como sea, es un inicio prometedor.

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador IV

MGMT - Oracular Spectacular (2008)
- this is our decision to live fast and die young -

Dos mil ocho fue año de MGMT. Dos chavos estadounidenses presentaron su proyecto que antes había llevado el nombre de The Managment. Una propuesta simple y eficaz que apela a la desinhibición y desenfado de la juventud. Ingredientes que hoy día están dentro de lo cool y de pasada generan entradas millonarias a las disqueras.

Propongo a MGMT como uno de los máximos exponentes de este regreso del sintetizador. Juegan con él con bastante naturalidad, creando pegajosas estructuras, porque eso sí, esta banda (a diferencia de las dos anteriores) apuesta por el sintetizador como su núcleo y motor a lo largo y ancho de su Oracular Spectacular. Los sencillos elegidos, dan muestra de una enorme capacidad en la creación de himnos pop. Time to Pretend introduce al disco con una proyección de una vida inconsecuente, pero no a manera de sátira, sino con un cinismo exacerbado, en el fondo ellos saben que lo quieren. Electric Feel es un viaje sensorial que cuenta la historia de una mujer sobrenatural bajo música disco. Por su parte Kids, es un claro ejemplo de como con la simplicidad (y un poderoso beat) se pueden hacer cosas grandes. Posiblemente su canción más emblemática. Electro-pop puro.
Ahora, esto es lo que respecta a los sencillos. Canciones pegajosas, bailables y listas para ser cantadas a todo pulmón durante los coros. Sin embargo, es extraño ver como el resto del disco se desenvuelve en una dinámica diferente. Aunque es improbable que un disco mantenga el mismo nivel de intensidad que promueven sus cortes de difusión, yo esperaba encontrar algo diferente. Sorpresivamente me topé con un disco plagado de alusiones bastante interesantes. Por ejemplo, en Weekend Wars, Andrew VanWyngarden trata de emular la voz de Mick Jagger, o al menos suena muy parecida. La canción entera es una versión actualizada de la etapa clásica de The Rolling Stones con un bajeo a la Echoes de Pink Floyd. Los últimos minutos de Of Moons, Birds & Monsters, antecedido por un solo de guitarra de aquella época, traen a la mente el ritmo vocal de algunas canciones de Bowie. En algunas referencias más actuales, en The Handshake se escucha un recurrente chiflido como lo llegaron hacer los XTC a principios de los 80's.
Al final, me quedo con esto: Oracular Spectacular toma sus cartas más fuertes y las explota al máximo. Inesperadamente el resto de las canciones no llegan a embonar del todo. Tienen su propia lógica, lo cual ocasiona que el disco se parta en dos. Una más identificable y fiestera. La otra más contenida, sin embargo, es la que hace de Oracular Spectacular una experiencia más matizada. Ahora queda saber que rostro prevalecerá para el siguiente disco.

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador III

!!! - !!! (2001)
- and if there's pigs say hi -

Sí, !!! es de los nombres más raros que haya encontrado en una banda. Aún más rara es su pronunciación. Generalmente se toma chk chk chk como la más común, sin embargo también se acepta cualquier otra forma monosilábica, a decir, pow pow pow, ram ram ram, etc. Me habían pedido algo de ellos. Me tardé un poco pues no había podido posicionarlos en un tema. En fin, aquí se los dejo, directos de los agrestes escenarios californianos.

Por múltiples razones !!! es un disco que me intriga. Hay muchísimo que decir. En su inusual sonido confluyen la oscuridad del post-punk y un virtuosismo funky. No me atrevo a decir que el resultado esté dentro de lo dance, sin embargo, en algún punto y de alguna manera logra filtrarse discretamente en estos terrenos. A esto puedo aportar otros argumentos. Al contrario de lo que suelo relacionar con lo dance, el álbum irradia sobriedad, incluso llega a contenerse a si mismo. La pista KooKooKa Fuk-U trata precisamente de eso, cuando parece que va a despegar, regresa a poner los pies sobre la tierra. En otras que sí llegan a ese estado, como la incansable Intensify, lo relaciono no tanto con lo dance, más bien con una actitud punk que está muy bien arraigada en la banda. Aún así, la canción de cierre Feel Good Hit of the Fall puede caber perfectamente dentro los límites. Inevitable no bailar.
La voz y las letras se rigen por lógicas poco convencionales. En realidad, la voz es un añadido más a la música (al contrario de los que priorizan la voz sobre la música). Nic Offer canta como si quisiera pasar desapercibido entre la música. Aun cuando canta, me da la sensación de que estoy oyendo a un grupo meramente instrumental. El resultado me gusta, es coherente con la propuesta de la banda. Y bueno, la letra. En general es simple y con frases contundentes como "if you're looking for a friend you can go fuck yourself". Además, otro elemento que resalta es la ausencia de coros. Ninguna de las siete canciones se presta a ser coreada por el público.
A pesar de que el tema en cuestión es el sintetizador, !!! no lo utiliza como elemento principal, sino como invitado especial a lo largo del álbum, con la excepción de There's no Fucking Rules, Dude, la cual está completamente revestida de sonidos sintéticos. Siguiendo en la misma línea, los metales también hacen sus apariciones fugaces, inundando al oído con cierta oscuridad. Para mí, uno de los mejores aciertos del disco.
Las canciones están estructuradas en numerosos loops. Suena aburrido, pero lo interesante ocurre cuando la banda cambia el giro de la canción inesperadamente. De dulce a agrio, de agrio a amargo, de amargo a salado y de salado a ácido.
Veamos el panorama general: Sonido poco comercial, canciones muy largas, un nombre impronunciable y si a esto le sumo la ausencia de sencillos, huele a suicidio descarado. Para mí la idea dista mucho de ser mala, simplemente es arriesgada. La conexión entre cuerpo y música es digna de mención. Su mayor amenaza es la falta de un rostro que represente al álbum. ¿El mismo nombre de la banda influirá en esto? ¡¡¡ Espero que no !!!

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador II

Architecture in Helsinki - Places Like This (2007)
- ignore me in the parking lot i'm petrified by conversation -

Antes que otra cosa, la banda llama la atención por su extraño nombre. Confieso que busqué en vano su significado. Ya me tocará saberlo, pero mientras ese momento llega no hay que confundirse, Architecture in Helsinki no nace en Finlandia sino en Australia. Con tres discos en su haber, se nota ya una notoria transformación en la banda. Places Like This muestra a un grupo más relajado. Dejan atrás el twee pop y se unen al resurgimiento del New Wave. Tal vez en palabras no sea tan impactante el cambio, pero al escucharlos aparece una banda irreconocible a comparación de su primer entrega. Más fiesteros, más pesados, más arriesgados. Eso sí, siguen conservando el sintetizador, y lo usan bien: distribuido y sin caer en excesos. No sólo cambió la música. La nueva personalidad del grupo le ha permitido a Cameron Bird explorar sus habilidades vocales y a desarrollarse como un front-man más activo. Si bien, su voz puede llegar a sonar algo forzada, pero nada que afecte la calidad del disco.

En rasgos generales, Architecture in Helsinki editó un disco fluido, aunque claro, la duración le ayuda bastante: apenas rebasa la media hora. Considero esto un gran problema en el material. Las canciones avanzan tan rápido una tras otra que es difícil familiarizarte con ellas hasta después de un tiempo, a pesar de que algunas son bastante pegajosas. Por otro lado, a pesar de ser un disco que gira en torno al sintetizador, canciones como Heart it Races y Underwater evocan ritmos tribales. Esto le da un aspecto no tan mecanizado al álbum. Las principales influencias de la banda también salen a flote. Primero con Hold Music, que bien podría ser una extravagante composición de The B-52's. Después, el recuerdo de los Talking Heads surge durante Lazy, donde una guitarra elegante que suena con cadencia excita la memoria.
Al final, Places Like This cumple. Y aunque no va más allá de eso, se centra en sus propias limitaciones y virtudes. Límites en sus canciones algo repetitivas. Virtudes en sus canciones generalmente efectivas.

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador I

La principal materia prima de la música en los ochenta fue el sintetizador. Tanto los abusos de la escena musical como la llegada de bandas como Guns N' Roses contribuyeron a darle un duro golpe, que si bien, no lo mató, pero sí lo aletargó. Para los noventa vino un cambio de actitud. La electrónica siguió su curso y el rock trató de regresar a los cánones clásicos (guitarra, bajo, batería). Incluso, bandas claramente identificadas con el uso del sintetizador en los ochenta también se distanciaron de él durante los noventa. Pongo a The Cure y a Depeche Mode como ejemplos. Sin embargo, para el cambio de siglo comenzó a haber una tendencia a incorporar nuevamente el sintetizador entre sus líneas. Discos como Give Up de The Postal Service o el mismísimo Kid A de Radiohead revitalizaron su uso. Para la fecha actual, el instrumento y la música que lo rodea, se han vuelto objeto de adoración entre la ambigüedad de lo indie.

Ahora bien, si ubicamos el hecho en México, sucedió un fenómeno similar. Por un lado Zoé y Porter experimentaron con el sintetizador desde sus inicios; bandas como Zurdok, Fobia y Café Tacvba lo incorporaron en la última etapa de sus respectivas carreras.
Es importante aclarar, que aunque sigue teniendo una estrecha relación con el pop, ninguna de las bandas líderes internaciones cuenta con la magnitud de convocatoria que gozaron los pesos pesados de los ochenta. Con esto en mente, saco dos conclusiones. Inciso a, el sintetizador atraviesa un segundo aire, una segunda ola. Inciso b, vivimos en una época retrospectiva.

De los tardíos noventa y sus obras maestras V

Neutral Milk Hotel - In the Aeroplane Over the Sea (1998)
- semen stains the mountain tops-

Neutral Milk Hotel sufrió una conocida tragedia: Graban con un sello independiente, editan un par de discos, son ignorados por el público, tibias críticas, no hay ventas, se separan. Posteriormente son redescubiertos por algún curioso anacrónico, la crítica los promueve, la disquera (que generalmente termina siendo comprada por un sello corporativo) saca ganancias de los disco y se les considera de culto. Claro que la escala del proceso varía en cada caso, pero así sucede.
Puede ser que Neutral Milk Hotel haya surgido en el tiempo equivocado, o al revés, que la audiencia no haya sido la correcta. Aún así, el legado de la banda ha perdurado, es objeto de referencia y sobre todo, su música se ha mantenido fresca. Jeff Mangum (vocalista, guitarrista y compositor) hizo un soberbio trabajo con el grupo.
In the Aeroplane Over the Sea concluye la trayectoria de la banda. El disco funciona con once pistas, las cuales cuatro o cinco son recibidas por el oído al instante. El resto se tiene que enfrentar a un oído más caprichoso. A pesar de esto, el álbum presenta uniformidad y procura mantener la expectación con letras y situaciones surreales. "Now she's a little boy in Spain, playing pianos filled with flames" dice Holland 1945, uno de los momentos climáticos envuelto en un tornado musical. Justo en seguida, aparece Communist Daughter, una bellísima balada que tristemente no llega a los dos minutos. La transición entre ambas canciones resulta en un asombroso contraste. De esta forma fue como Jeff se encargó de matizar la obra. Unos chispazos de Folk al inicio y al final. La impronta Lo-Fi al centro. La psicodelia como elemento transversal. No quiero sonar redundante, pero esto último es importante pues conforma el eje del disco. La relación que se genera entre la magia, imaginería y la banda es notable. Una simple guitarra y la no pulida voz de Mangum es suficiente para recrear sus fantasías en Two-Headed Boy. A esto, se suman la calidad del resto de los músicos que integran a Neutral Milk Hotel. Ellos fusionan el sonido de sus instrumentos con la experimentación y su esfuerzo se nota aún más en las únicas dos canciones instrumentales del disco, una canción sin nombre y The Fool, que rememora los momentos más oscuros de Piper at the Gates of Dawn. Aunque la mayoría son piezas de corta duración, Oh Comely rompe la relga y se extiende hasta los ocho minutos. Para mí, uno de los pocos puntos negativos de In the Aeroplane Over the Sea. ¿La razón? Es muy larga y rompe el trepidante ritmo que había alcanzado el disco. Afortunadamente le alcanza el tiempo para recuperarse y ofrecer un desenlace de altura.
No pienso extenderme más. Quiero terminar diciendo que In the Aeroplane Over the Sea es un disco orgulloso de su rareza. No titubea en aceptarlo y hace gala de canciones sencillas en manos de mentes complejas. Doy una cosa por hecho, todo lo que sale de este disco, bien podría ser el retorcido soundtrack que escucha Alicia mientras camina por el país de las maravillas.

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De los tardíos noventa y sus obras maestras IV

Sigur Rós - Ágætis Byrjun (1999)

Admito que no soy un viejo seguidor de Sigur Rós. Comencé a escucharlos hace apenas un par de años. Fue precisamente este disco el que me acercó a su música. Hoy en día, la banda pertenece a planos internacionales. No estoy seguro de que Sigur Rós sea la banda con más proyección en el post-rock, aunque su fama sigue subiendo considerablemente. Quizá, de una manera discreta, pero constante. Insignia del post-rock, género al que no se le veía una larga vida. Sin embargo, acutalmente es uno de los sectores más activos en la industria.

A pesar de que Ágætis Byrjun significa "un buen comienzo", se trata de su segunda producción. Si le toma a la ligera, Ágætis Byrjun puede tornarse una experiencia de acompañamiento, meramente ambiental. Por otro lado, si uno se toma la molestia de analizar la obra (tal vez no a detalle, pero si con calma) se encontrará con un disco sorpredente. Durante una hora y diez minutos, Sigur Rós logra meter en un largo y denso paréntesis al escucha con una propuesta general que se debate entre los polos fríos y calientes. Frío por sus desoladas ambientaciones. Cálido por la extrañamente cercana voz de Jónsi. Al inicio, Ágætis Byrjun es algo etéreo, o abstracto si pudiera llamarlo así. Pero conforme el disco avanza, las pistas se vuelven más concretas y en algunos casos hasta agresivas como pasa en Hjartað Hamast o Ný Batterí, en donde un grito acompañado por metales disonantes suena bastante bien. Uno esperaría que no, pero sí. Increíble.
En aspectos técnicos resalta en especial una cosa, y es que a aun cuando se trata de un disco muy largo, no se abusó en recursos de estudio. En pocas palabras, una producción justa: nada de más, nada de menos.
Al final, aunque la experiencia es fuerte, es reconfortante. Sigur Rós apostó por hacer un disco medular en el post-rock. Ágætis Byrjun, no es una elegía, simplemente que Sigur Rós es como la luz más brillante en el túnel más oscuro. De entrada, eso ya es abrumador.

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De los tardíos noventa y sus obras maestras III

Radiohead - OK Computer (1997)
- sleeping well, no bad dreams, no paranoia -

Tercer disco. Tercera faceta.

Es casi imposible hablar de este disco sin sonar trillado. De cualquier manera, hay que dar gracias por no haber existido un periodo de transición entre este material y el anterior, y aún mejor, esta evolución fue espontánea, simplemente se tenía que dar. Radiohead se encargó de elevar a lo más alto el Brit Pop y ofrecer otra cosa a cambio, que por cierto, es difícil de enmarcar. Lo más atractivo y novedoso en su tiempo fue lo meticuloso de su post-producción. El resultado fue una experiencia sensorial abrumadora, a veces, sofocante. Además, el disco, manejaba (intencionalmente o no) un concepto pocas veces abordado en el rock: el post-modernismo, lo cual, provee al disco de un temple analítico, reflexivo, crítico en tanto a la situación actual del hombre y la sociedad. Esto, evidente en la rarísima Fitter Happier. Aunque generalmente el sonido es taciturno y casi desalentador (lo cual me parece bastante atinado debido a los temas que abordan), canciones como Electioneering y Paranoid Android (uno de los grandes himnos de los 90's), vienen a revolucionar el disco. Desde la apertura de Airbag hasta la tranquilizadora Exit Music, y desde la famosísima Karma Police hasta la canción de cuna No Suprises, Radiohead invita a pensar en el mundo actual de una manera única y privilegiada. Unica por su gran labor de innovación, no sólo de la banda, también de los ingenieros de sonido y producción. Privilegiada por que gracias a este material, Radiohead fue considerada la banda más grande su tiempo.

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De los tardíos noventa y sus obras maestras II

Björk - Homogenic (1997)
-i'm no fucking buddhist, but this is enlightenment-

Son pocos los artistas que tienen el orgullo de ser su propia escuela musical. A lo largo de los años, Björk ha logrado permanecer fiel a sus ideas: ser ella misma, y es que a pesar de sufrir múltiples y constantes transformaciones, la identidad de Björk radica precisamente en eso, en una búsqueda del perfeccionismo, la originalidad y sobretodo la reinvención. De esta manera, es posible no tener ni idea de a qué suena Björk. Aunque por el lado contrario, resulta más fácil de lo que parece reconocer una obra suya. Así, podemos afirmar que algo es "björkiano" sin saber exactamente que conforma lo "björkiano".

A pesar de ser un disco complicado, Homogenic forma parte del material más accesible que Björk haya grabado. La fastuosidad de su producción es evidente: repetidas orquestras, gruesas capas de música electrónica y estructuras enredadas. Si bien, esas características ya habían estado presentes en Post, están más acentuadas ahora. Eso no es todo, las canciones de esta entrega tienden a ser más envolventes y reflexivas. Aunque la orquestra juega un papel decisivo en pistas épicas como Bachelorette y Jóga, es la electrónica quien se encarga de darle un cuerpo, una forma, una identidad al álbum. El resultado es ser uno de los discos emblema de la década, y además, uno de los más influyentes del siglo XXI.

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De los tardíos noventa y sus obras maestras I

No existe término más preciso para cualificar los 90's que el de diverso. Por primera vez, el mainstream musical presentó fuertes vertientes. De igual manera, la segmentación del mercado permitió que estas nuevas olas fueran devoradas por las emergentes generaciones.

Digamos que los 90's se trataron de una cosa principalmente: La conquista de lo alternativo. Por supuesto que antes existía lo alternativo, pero carecía de seguimiento, se exponía en los terrenos del underground y tenía connotaciones negativas. Entonces, cuando la alteridad se hizo presente a la mayoría, triunfó hasta el punto de que hoy en día la cultura alternativa sigue siendo una las culturas dominantes. Sin embargo ¿que no al volverse estándar, deja de ser alternativo? Bueno, tal vez, simplemente "lo alternativo" es una idea atrapada en la palabra equivocada. El problema fue que cuando lo alternativo se incorporó a la corriente general, todo lo nuevo fue etiquetado también como rock alternativo. Los analistas de la época fallaron en ponerse de acuerdo en una definición. En consecuencia, la resaca la seguimos teniendo hoy en día y seguimos sin saber dónde terminan y dónde empiezan los terrenos de lo alternativo.
Algo similar sucedió entre lo Indie y lo Independiente, pero eso es harina de otro costal.

Aunque no lo parece, el tema que trato de abordar se reduce a la segunda mitad de los 90's. Tal vez la primera mitad fue más importante socio-culturalmente hablando, pero musicalmente hablando considero que lo mejor se reservó para el final, los grandes hijos de aquella intensa década.

The Libertines - Live at TIM Festival (2004) [Bootleg]

Para ustedes una de las últimas presentaciones de The Libertines. Fue más o menos por estas fechas que la relación entre Carl Barât y Pete Doherty se encontraba por los suelos hasta el punto de hacer shows enteros sin la presencia de este último. Como muestra, este concierto, donde Carl se encargó de ser la voz en todas las pistas. Para esto, el resultado fue bueno, aunque la presencia de Doherty es de sentirse por muchas razones, (carisma, voz, estilo). En general la calidad del sonido es muy buena, el concierto está completo aunque algo corto (bueno, fue en el marco de un festival). Curiosamente la mayoría de las canciones incluidas pertenecen a la era Up the Bracket, siendo que se encontraban promocionando su segundo disco homónimo. De todas formas desconozco el setlist de otros shows de la gira.
Ya habrá tiempo para platicar de sus discos de estudios.

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De los gigantes argentos y sus sutiles poemas IV

Almendra - Almendra (1969)
-beso mares de algodón, sin mareas, suaves son-

Estuve dudando mucho sobre si subir este disco o dejarlo para un futuro. No hay una razón concreta para ello, simplemente lo pensé, y es que Almendra es un disco tan profundo, tan enigmático y tan exacto que no pude dejarlo pasar inadvertido. Pero antes un poco de marco contextual. Almendra es la primera banda del genio Spinetta, y con ella se escribieron las primeras notas del rock argento, fenómeno paralelo a la creación del universo spinetteano. Así de sencillo, este disco es la médula espinal del rock en español. Ojo, con ello no afirmo que sea el mejor disco en español que se haya grabado, pero posee unas cualidades únicas y envidiables provenientes de un chamaco de diecinueve años, casi veinte. Un relieve asombroso tapizado en rock y psicodelia. Este último género le permite al autor transportarnos a parajes poco convencionales gracias a una poesía incomparable. Así se crea un interesantísimo juego entre lo que oímos y lo que interpreta nuestra mente, el reto queda entonces en permanecer cuerdo, nada fácil en un disco donde cada canción parece estar conformada por dos o tres partes.

Con este disco el Flaco entra con dos pies derechos a la escena musical, además, postula y responde tres preguntas claves: ¿Cómo hacer rock en español? ¿Qué es? y ¿Por qué?

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El Mayor Tom no ha muerto

Así está la situación: me mantuve alejado por poco más de dos meses del blog. Una disculpa por haber desaparecido sin aviso previo. Ahora es momento de regresar, subir entradas y compartir música. El Mayor Tom no ha muerto, tal vez se tomó unas largas vacaciones, pero sigue dando de qué hablar. Larga vida para él.

De los gigantes argentos y sus sutiles poemas III

Andrés Calamaro - Hotel Calamaro (1984)
-hay marcianos entre la gente-

Poco atrás, Andrés Calamaro, había dado a Los Abuelos de la Nada sus mejores años de vida. Poco después, rompería fronteras con Los Rodríguez. En medio de estos dos sucesos, se graba Hotel Calamaro, que anuncia el inicio de una larga carrera de solista. Para este nuevo concepto, Calamaro quiso involucrase con el pop principalmente, incorporando algunos elementos del New Wave. Como dato curioso, más o menos por esas fechas Soda Stereo grababa su primer LP. Ambos discos tienen cosas similares como el uso de sintetizadores, bajeos prominentes y letras absurdas. La mayor diferencia radicaba en que Soda Stereo no tenían nada que perder, su carrera apenas comenzaba. Calamaro por el contrario era ya conocido en los circuitos internacionales. Tomando en cuenta ese último punto, Hotel Calamaro es altamente decepcionante. Un disco desordenado con muy pocas canciones que llaman la atención. Temas de invasiones extraterrestres y relaciones amorosas en oriente medio. Quizá técnicamente el disco no es desastroso: el bajo en Fabio Zerpa o la guitarra de Miro por la Ventana son bastante buenos. Aunque vaya, si apenas son destellos fugaces en la oscuridad. De igual forma, valdría la pena hablar de algunos puntos favorables dentro de la post-producción, pero creo que es suficiente por ahora.

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De los gigantes argentos y sus sutiles poemas II

Sui Generis - Vida (1973)
-¿dónde está el sol? ¿dónde está dios?-

Cuenta la leyenda: Charly García y Carlos "Nito" Mestre formaron una banda junto con otros compañeros de la escuela. Todos ellos apenas superaban los veinte años. Ya teniendo varias canciones dominadas, decidieron hacer una modesta tocada en vivo. El día del evento, sólo se presentaron aquéllos dos y aun así, decidieron subir al escenario. García se encargó de la guitarra y Mestre hacía lo suyo con la flauta. Ambos cantaban. Al finalizar su acto, la respuesta del público fue bastante positiva, incluso para ellos mismos, pues no esperaban algo así después de haber visto a su grupo diezmado. Con esto en mente, Sui Generis decidió continuar su prometedora carrera como dúo y de paso, ser una de las bandas más grandes de toda la historia argentina.

Vida, primera de tres entregas del grupo, es un esfuerzo por concentrar algunos intereses de los chavos de veinte años (mujeres, amigos, identidad), a veces, con letras psicodélicas, aunque es el folk el género que mejor define al disco, con algunas interrupciones de progresivo y blues por ahí. Es posible escuchar un sonido a la Dylan (en su primera etapa).
Muchas de estas canciones son aún coreadas en Sudamérica y forman parte del acervo musical de la gente. Aunque, me quedo con que es un disco algo desproporcionado. A algunas canciones les hace falta más cuerpo, sensibilidad y son un tanto ingenuas (Necesito, Mariel y el Capitán). No obstante, son los himnos como Dime quién me lo robó (una de las mejores canciones que he oído en todo el rock latino) o Amigo vuelve a casa pronto y sobretodo Canción para mi muerte lo más recordado del álbum.
Una producción muy, muy baja, inclusive los instrumentos llegan a oírse desafinados de vez en cuando. Aunque si bien, esto es interesante, no es tan relevante, ya que Vida sigue estando entre los mejores discos nacionales. Por cierto, todas las canciones son escritas por Charly García, quién además de tocar la guitarra se encargó del característico piano.

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De los gigantes argentos y sus sutiles poemas I

El rock argentino posee una enorme tradición. Latinoamérica entera está en deuda con aquel gran exportador musical. Desde la primera oleada del rock comenzaron a jugar con sus guitarras y poco después infundieron de un espíritu similar a sus vecinos sudamericanos. Junto con México y Chile, Argentina es el mayor catalizador de música rock para Latinoamérica, aunque los argentinos se han distinguido especialmente por unas letras pocas veces inigualables, sin importar si éstas sean pretenciosas, jocosas, o lo que sea.

Pues bien, la historia del rock argentino tiene dos piezas claves. La primera es la de Luis Alberto Spinetta, hombre complejo y centrado. La segunda es Charly García, siempre versátil y multifacético. Es muy difícil que un músico argentino no cite al menos a alguno de los dos como principal influencia (ya sea en letra o música). Después de ellos la lista es larga. Sin embargo, quiero detenerme y hacer un gran paréntesis, para ello, voy a volver a comparar el rock mexicano con el rock argentino. En México, gran parte de las bandas clásicas de los 70's han perdido presencia actual. Creo que está de más, decir que es algo lamentable. Caso contrario en Argentina, donde las bandas legendarias siguen siendo objeto de adoración tanto por chicos y grandes. Enorme prueba de que allá sí existe una conciencia histórica (al menos, musical) y aquí no.

Del sonido de Bristol y los amos del ambiente IV

Tricky - Maxinquaye (1995)
-i drink till i'm drunk, and i smoke till i'm senseless-

Hasta el día de hoy, Tricky ha podido adaptarse a una variada lista de proyectos, colaboraciones y estilos de música. Digamos que es un tipo inquieto. Fue curtido dentro de la cantera de The Wild Bunch, para después apoyar a Massive Attack, más tarde inicia su proyecto solista y al mismo tiempo se enlista en un sinfin de aportes musicales con Björk, PJ Harvey, Garbage y muchísimos más. Con Maxinquaye se cierra una suerte de trilogía no oficial (junto a Blue Lines y Dummy) sobre los albores del Trip Hop.

Para este disco, Tricky se encargó de tomar prestado samples de diferentes grupos y los rediseñó bajo un meticuloso trabajo de producción. Por ello, no es nada raro escuchar el famosísimo bajeo de Glory Box de Portishead, o la batería de Suffer de The Smashing Pumpkins. Y así, Maxinquaye es un disco muy ambicioso. Tricky se permite incursar en muchísimos estilos musicales, tanto así, que varias veces se sale del mismo Trip Hop. Canciones como Brand New You're Retro o Black Steel se deslindan del característico downtempo, aunque, dicho sea de paso, es un disco predominantemente Hip Hop.
Ahora bien, comparándolo con el resto de esta supuesta trilogía, Maxinquaye es el más complejo, misterioso, diverso y oscuro de todos, sin mencionar esa capacidad de usar atmósferas muy orgánicas, muy naturales. De igual forma, algunas de las percusiones dan la sensación de grupos tribales provenientes de la escuela de Peter Gabriel.
Parece contradictorio, pero Maxinquaye es un gran trabajo original. Por momentos pienso que se trata de arte conceptual, pero no tengo suficientes argumentos para afirmarlo. Tal vez su punto débil sea la poca fluidez entre los temas, y vaya que el disco lo sufre, sobretodo al final. Todo un collage musical.

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Del sonido de Bristol y los amos del ambiente III

Portishead - Dummy (1994)
-playing with this bow and arrow-

Hoy en día Portishead sufre de una especie de redescubrimiento entre los fans. Después de más de 10 años de ausencia, el año pasado se dieron el lujo de regresar no como un muerto que resucita, más bien, como alguien que vuelve de un auto exilio y busca el momento oportuno para anunciar su regreso. Si se le compara con Massive Attack, Portishead tiene muchísimas diferencias. Primero, Portishead funciona como un grupo más tradicional en cuanto a los roles de sus integrantes. Segundo, estructuralmente sus canciones también son más convencionales y no tan impredecibles. Tercero, la base de Blue Lines es el House, en cambio Portishead opta por el rock como su soporte. Esto puede sonar como una gran crítica a su música, para nada. Con todo, Portishead es hoy en día mucho más influyente que sus compatriotas de Bristol. El sonido de Dummy fue evocado por las obras maestras de los 90's, en referencia a Ok Computer de Radiohead y Homogenic de Björk.

Para ponerlo fácil. Dummy es un grandioso disco, hermoso de principio a fin. El trabajo en los oscuros ambientes es asombroso, contrastando con la dulce voz de Beth Gibbons. Por otra parte, Dummy no se trata del disco de Trip Hop con la mejor producción de la historia, pero sí uno de los más envolventes y cohesivos. La banda logra mantener una misma tonalidad a lo largo del disco para así hacer de Dummy un disco coherente. Queda otro punto por comentar. Increíblemente y a pesar de que el grupo goza de un segundo aire en su carrera siguen conservando un característico bajo perfil. ¿Grandes? No, enormes.

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Del sonido de Bristol y los amos del ambiente II

Massive Attack - Blue Lines (1991)
-one man struggle while another relaxes-

Dicen los que saben que Blue Lines es el primer disco de Trip Hop, o al menos la piedra angular del género. La consolidación de Massive Attack con este primer lanzamiento fue instantánea. Un disco de verdad fresco y cuidadosamente balanceado. Muchísimos matices, entremezclando altas cantidades de Soul, Hip Hop y en menor medida de Reggae. Los ritmos de las canciones se desarrollan en altibajos y a pesar de ello se deslizan con una enorme fluidez. Para la creación del material se contó con el apoyo de diversos intérpretes vocales: la cantante de Soul, Shara Nelson. El cantante de Reggae, Horace Andy, Tricky, entre muchos otros. El resultado, un proyecto grupal, el trabajo en equipo se nota y se disfruta. Ya sea desde los numerosos loops de la pista sonora hasta las supremas aportaciones vocales de cada uno de los colaboradores. Blue Lines es de lo mejor que escuchó aquella década tan diversa. Desde mi perspectiva, su mayor aporte es la fusión de ideas y consecuentemente la depuración hacia un nuevo sonido. Al fin, eclecticismo para las calles. Que quede claro, no es necesario ser amante o conocedor del Hip Hop o del Soul para disfrutar Massive Attack. El material habla por si mismo.

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Del sonido de Bristol y los amos del ambiente I

Apenas empezaba la década de los 90's y ya se estaba cocinando el surgimiento de la nueva apuesta electrónica. Mientras Seattle acaparaba gran parte de la atención, Bristol experimentaba con algo realmente novedoso. Estos músicos fusionaban ideas del house, hip hop, dub y downtempo principalmente, aunque cada agrupación le daba una orientación particular. No se trataba de música electrónica para bailar; se enfocaron por develar su lado de estudio. Mucha introspección y atmósferas densas que llenan el vacío. Laboriosas producciones gracias sus capas y capas de sonido. Años más tarde a los artistas que presentaban algunas de estas características se les encapsuló dentro de los terrenos del Trip Hop.

Además, este nuevo género demostraba dos cosas. Uno, un poder de convocatoria tremendo. La idea del Trip Hop era crear música urbana, identificada principalmente con la cultura negra. Por otro lado, era música perfectamente cuidada. Ninguno de los elementos era puesto al azar y era igualmente adoptado por la música de culto. Segundo y más importante. Cuando se creó el primer gran disco de música Trip Hop se hizo evidente que la música seguía sin tener límites y la innovación todavía era posible.
Al poco tiempo el sonido se expandió por toda Inglaterra, engendrando grupos como Death in Vegas o Sneaker Pimps. Sin embargo, esto compete solamente a aquellos personajes ilustres del puerto de Bristol.

De la avanzada sueca y su coqueteo con el pop III

The Concretes - The Concretes (2003)
-here comes the dark-

The Concretes aún no ha conseguido suficiente difusión internacional. Sin duda la mayor proyección que han tenido ha sido gracias a su líder compositora Victoria Bergsman, quien prestó su voz para la famosísima canción Young Folks de Peter Bjorn & John. Fuera de ahí es muy poco lo que se sabe de ellos en latinoamérica.
El sonido de The Concretes evoca mucho la vida escandinava tradicional: lugares desolados y ambientes fríos que ameritan cierta reflexión. Su música es tranquilizadora, simple, compacta. Las letras llevadas por la nostálgica voz de Victoria son pequeñas estrofas que se repiten una y otra vez, aunque lo asombroso es escuchar como se van coordinando con los poderosos metales y demás elementos de orquestra. Por esto mismo digo que The Concretes no puede ser un grupo minimalista.

Si bien, siguen la línea del indie pop pero acarrean gran seriedad con ellos mismos. Nunca vacilan con canciones muy comerciales aunque los temas presentados son trillados: amor y desamor.
En resumen, este el disco autotitulado es una gran pieza madura, digna de escucharse varias veces. Por cierto, la experiencia aumenta si se escucha de noche y solo.
Actualmente la banda se encuentra en una etapa de transición, pues Victoria se encarga ahora de dirigir su propio proyecto llamado Taken by Trees.

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De la avanzada sueca y su coqueteo con el pop II

I'm From Barcelona - Let Me Introduce My Friends (2006) [Edición EUA]
-i see what's in your eyes and i know what's in your heart-

Hace unos meses me topé con esta banda de nombre curioso. Las confusiones no se hicieron esperar, pues su canción más conocida a la fecha lleva el nombre We're from Barcelona. Además de esto, el número de personas que integran a la banda es bastante inusual. La página oficial de la banda enlista a 28 miembros. Bueno, no quiere decir que todos ellos tocan en el escenario. Muchos simplemente prestan su voz en los coros, aunque también se encuentran acordeonistas, saxofonistas, tecladistas, trompetistas entre otros. Desafortunadamente no se llega a apreciar toda esta riqueza musical debido al saturado de integrantes.

El proyecto corre a cargo de Emanuel Lundgren, compositor y orquestador de todo el material. Evidentemente se trata de una cuestión centralizada. Ahora bien, ¿cuál es la tirada de I'm from Barcelona? Música pop, punto. Let Me Intruce My Friends es un disco excesivamente fácil de escuchar. Sonidos agradables, letras optimistas, composiciones sencillísimas, ritmos pegajosos. A mi parecer se trata de una banda que puede polarizar opiniones. O te gusta, o la detestas.

Si eres del primer grupo, basta con una escuchada para clavarte. Sin embargo, después de un rato el disco se torna empalagoso, la música es demasiado positiva, tanto, que llega a ser abrumador. Eso sí, la producción es atinada, muy limpia y en instantes se llega a escuchar una versión muy (pero muy) ligera de The Flaming Lips. En fin, álbum para pasar un momento tranquilo, y quizá, te alegre el día. ¡Buen pop!
La versión que subo es la edición se lanzó en el marcado estadounidense. Le hicieron pequeñas modificaciones a la edición europea. The Saddest Lullaby fue recortada drásticamente. Además se incluyen dos canciones extras: The Painter (que había salido ya en el primer EP), valiosísimo tema y Glasses, una canción regular que le da un final bastante decepcionante y soso.

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De la avanzada sueca y su coqueteo con el pop I

Ultimamente se ha dado una especie de "boom" en los países escandinavos, particularmente en Suecia. Creo que merece la pena hablar de ello. En los 90's empezaba a sonar algo de una banda llamada The Cardigans que posteriormente consiguió llegar a los mercados mundiales, la cual la considero el referente inmediato de todas la bandas que vendrían después. Sin embargo, una década atrás Europe había también logrado éxito comercial. Aún así, estos hechos son tomados como independientes, no hubo una secuencia. Ya durante el nuevo milenio, una nueva camada de músicos invadiría los escenarios, algunos más orientados al rock (The Hives, Mando Diao, Kent) y otras más al pop, de lo cual se ocupa la entrada.

Ahora, ¿por qué apenas entrado el nuevo milenio se comienzan a generar estas propuestas? Trataré de dar posibles respuestas, algunas más obvias que otras. El auge del internet es un factor importante. Sin él, sería casi imposible conocer las nuevas propuestas de regiones distantes (y esto no sólo aplica al mercado escandinavo). Tomando en cuenta que esto es cierto, intuyo que las bandas ya estaban ahí, simplemente necesitaban proyección. El aspecto económico es importante aunque no primordial. Suecia se cuenta entre los países más ricos del mundo. Si bien, esto habla de que pueden darse el lujo de producciones más sofisticadas, no habla para nada de un impulsor del boom, pues Suecia ha sido una rica nación desde hace tiempo. Otro punto. La región escandinava ha estado parcialmente descentralizada de la hegemonía inglesa y eso le permite tener más libertades creativas, y por lo mismo nuevas ideas. Otro impulsor, es el uso del inglés en sus letras. Por último, la vertiente pop que manejan está estrechamente relacionada con toda la cultura hipster muy popular en nuestros días. Un espacio ideal a explotar.

Peter Bjorn and John - Falling Out (2005) [Edición Especial]

-i decided to make sense stop acting strange-

Sí, son tres. Sí, también bautizaron a su banda con sus nombres reales, lo cual me parece curioso. ¿Qué pasa si uno de los miembros sale de la banda? ¿Se llamarían ahora Peter and Bjorn, o Bjorn and Peter? ¿Y si entrara un nuevo integrante, ahora serían Peter, Bjorn, John and Lars? Bueno, lo más probable es que sigan llamándose igual pase lo que pase.
Aunque Falling Out es su segundo disco, no sería hasta su siguiente entrega que alcanzarían fama mundial. En sí, no hay mucha diferencia entre este disco y Writer's Block. Algo que suena a Folk en manos de jóvenes curiosos y si esto es poco, uno de ellos tres canta como Liam Gallagher en sus mejores tiempos. Composiciones ligeras, pegajosas con una ligera embarrada de sintetizadores, todo agarrando forma hasta convertirse en una gran pieza creativa, ingeniosa sin ser empalagosa. Uno de sus puntos más fuertes (y que se siente con intensidad) es la manera tan relajada con que hacen música. Esto les da mucha seguridad. Además tienen una facilidad bárbara para encontrar sonidos digeribles y explotarlas al máximo.
Dos años después, la disquera relanzó el álbum con canciones extras, todas ellas al mismo nivel del disco original, aunque puede que Unreleased Backgrounds sobresalga entre todas ellas, una canción medio progresiva que conserva su sencillez. ¿Contradictorio?
Pues bien, sigo a esta agrupación desde hace rato, puedo ahora decir que es de mis favoritas en el género. Disco indispensable.

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Madness - Complete Madness (1982)

-naughty boys in nasty schools-

Hace unas semanas me recomendaron este disco, que dicho sea de paso, no conocía ni a la banda que lo grabó. Después me enteré que era un híbrido de ska y pop. Respecto al primero, admito que no soy un ferviente admirador y mucho menos un gran conocedor. Con todo esto en contra, trataré de dar mi limitado punto de vista.
Madness es una banda inglesa que concentró una gran atención principalmente al término de los 70's y principios de los 80's. Madness adoptó el ska al New Wave (al igual que otras bandas) y se conformó un movimiento que si bien, duraría poco (alrededor de cinco años), serviría de plataforma para el futuro desempeño del género. En una oración, Madness es el desenfado del ska con la elegancia propia de los ingleses junto con ese toque catchy. A primera instancia, debido a un ambiente pop, la banda oculta un complejo manejo de instrumentos y un perfeccionismo en producción. Sin embargo, es ese mismo aire pop lo que lo hace a Madness una experiencia bastante accesible para los no tan familiarizados con el género.
Complete Madness es una recopilación de los éxitos generados hasta la fecha de edición. A los pocos meses de salir al mercado, Madness lanzaría su cuarto disco de estudio. Dada su naturaleza, son incluidas las canciones más conocidas del grupo. Algo que agradezco en compilaciones musicales es que el orden de las pistas no siga el orden en que fueron apareciendo las canciones (cronológicamente). Tampoco me gusta que las pistas hayan sido puestas al azar. Pues bien, Complete Madness recibe mis agradecimientos. Parece que el tracklist fue seleccionado de la siguiente manera: Las canciones más New Wave fueron colocadas primero, para después avanzar a terrenos más arriesgados. Esto hace sentir que el disco evoluciona por si solo (pues se trata de material grabado en diferentes años). Por ejemplo en Embarrasment o Shut Up cuesta algo de trabajo distinguir el ska, pero en canciones como Night Boat to Cairo o One Step Beyond es por mucho evidente. No obstante, esta distribución no es tan rigurosa.
Sin duda, un material pertinente para aquellos que se inician en el género, aunque al tratarse de una compilación de éxitos, no creo que satisfaga los oídos más exigentes. Buen aporte, ahora falta prestar oídos a un álbum en concreto e incluso a otro exponente del movimiento.

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Luis Alberto Spinetta - Kamikaze (1982)

-he de fusionar mi resto con el despertar aunque se pudra mi boca por callar-

El señor Spinetta está considerado entre los padres fundadores del rock argentino. Tiene un currículum impresionante. Decenas de discos, numerosas bandas y su música es de notable influencia en trabajos de Fito Páez o Soda Stereo. En su país, este músico es una institución intocable. Varios de sus proyectos siguen siendo referentes musicales para comprender el rock argentino y de América Latina en general.

Ahora, en su propio contexto "spinetteano", Kamikaze puso hielo a esa largo historial que había engendrado bandas como Almendra o Pescado Rabioso, mucho más atraídas al rock. El disco no fue muy bien recibido por la crítica y por sus rockeros fans. Por el contrario, este material presenta a un Spinetta 100% acústico, pero conservando una gran sensibilidad. Por que si algo es cierto, trabajar con letras en español es difícil. Spinetta es un pez en el agua cuando de escribir se trata. Sus pensamientos logran penetrar con elocuencia y si no existiera la música, Spinetta seguramente habría sido un prolífico poeta.
Tardé un rato en agarrarle el ritmo al disco. Poco a poco se fue presentando como una obra sensible, sencilla y cautivadora digna de un genio de la música. Como dato curioso, la canción Barro Tal Vez fue escrita cuando tenía la abrumadora cantidad de 15 años. Muestra flagrante de que el rock puede hacerse sin sonidos estridentes. Aunque al decir que es rock creo que lo limita bastante. El disco tiene para mucho más. En pocas palabras, un disco con pelotas. ¡Vaya pibe!

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