Los Campesinos! - Hold on Now, Youngster... (2008)

-and when our eyes meet, all that i can read is you're the b-side-

Conforme ha avanzado la década, el movimiento indie ha demostrado ser el acto más constante. Una de las ramas más asociadas a esta escena es el Twee, el cual se caracteriza por sus letras simples, escenarios pop, elementos algo infantiles y sobretodo alegres melodías.

Dejo a continuación una de las mejores propuestas del año pasado. Se trata de una banda que surge del anonimato y toma por sorpresa a más de uno. Piden prestado los momentos más ocurrentes de los Pixies y la actitud de The Strokes. Por ello mismo se salen un poco de la tendencia Twee. Podría decirse que Los Campesinos! se codean con algo que denomino Twee Rock. Son realmente agresivos sin olvidar de donde vienen, es decir, el espíritu pop nunca deja de estar latente. Hacen uso de sus dos vocales, un hombre y una mujer, los cuales asemejan a la voz de un niño berrinchudo y una niña consentida
Aunque algunas canciones sean similares entre sí (y hace algo difícil identificarlas unas de otras), Hold on Now, Youngster es de esos discos que te atrapan al instante, y es que muy complicado resistirse a unos niños implorando atención, y si no lo haces te irá muy mal.
La banda promete ser uno de los proyectos más fuertes para lo que viene. Energía pura para los oídos. Lo mejor, estarán de gira en nuestro país en un par de semanas.

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Keane - Perfect Symmetry (2008)

-there's no golden gate, there's no heaven waiting for you-

Existe un principio básico en la historia de la música moderna. Evoluciona o muere. Reinvéntate o desaparece. Estos giros se han dado para bien o para mal. Pueden ser cambios de forma o de fondo. Nada es más emocionante que escuchar a un grupo que se autodescubre cada vez, pero también es triste presenciar la caída de alguna banda promesa.

Desde el disco anterior, Keane mostró intenciones de darle un mayor papel al sintetizador. En este nuevo material aquel piano distintivo del grupo es desplazado a segundo plano por sonidos computarizados. El resultado, un disco bastante frío donde los cambios propuestos son significativos, comenzando desde la imagen del grupo hasta invadir el espíritu de la banda. Un sonido muy cerca del New Wave que deja clara la influencia de la música de los 80's.
Eso sí, el álbum logra mostrar a un Keane mucho más creativo. Pero sucede que cuando te acercas a la experimentación se suele sacrificar algo de cohesión. Anteriormente la banda vivía en una especie de burbuja que lo protegía del mundo. Una burbuja que le funcionó bastante bien en Somewhere Only We Know o This is the Last Time. Sin embargo, ahora el mayor reto es subsistir en ese nuevo ecosistema. Por ese lado se aprecia en verdad la iniciativa y valentía de Tom Chaplin y compañía.

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Graham Coxon - The Sky is Too High (1998)

-blood on my brain, too much salt in my veins-

Mucho se puede decir de Blur y su vocalista Damon Albarn. Sin embargo, Blur no sólo se alimentaba de la genialidad de aquél. Una banda sólida se percibe cuando la responsabilidad no cae en un único integrante. Graham Coxon, un sujeto menos carismático y de bajo perfil, dotaba de inteligencia al grupo. Así se originó una dupla muy interesante, es decir, Albarn, el corazón, y Coxon, la mente.

The Sky is Too High es un disco que Graham grabó todavía siendo miembro de Blur. Para ser su primer material en solitario me parece un disco consistente, aunque hay que prevenir que la música no se asemeja en nada a la de Blur. Mientras que la agrupación gustaba de composiciones impecablemente limpias, Graham hace todo lo posible por sonar sucio. Áspero sería la palabra más indicada para describirlo, y no necesariamente ruidoso, porque gran parte del disco lo reserva para canciones acústicas. Otro punto importante. Toda la música es grabada por él mismo, lo cual hace de The Sky is Too High música de autor, algo realmente difícil de hacer.
A manera de resumen: Coxon logra confeccionar un material concreto, simple, denso pero sobretodo tétrico. El juego de contrastes que maneja es impresionante, y por lo mismo, no es un disco del agrado de todos, pero aquellos que gusten de este tipo de música lo valorarán por años.

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Cat Power - Moon Pix (1998)

-when no one is around love will always love you-

Tomando en cuenta la próxima presentación de Cat Power en la ciudad me apresuré a subir este material. Primero que nada tengo que decir que Moon Pix es el único disco que he escuchado de ella hasta la fecha y es una pena, ya que cuenta con una amplia gama discográfica. Chan Marshall (nombre real de la artista), posee dos elementos distintivos. A) Un sonido sobrio y triste. B) Una voz misteriosa casi en susurro. El disco en cuestión muestra a una Cat Power oscura, reflexiva y minimalista. Como si de alguna manera nos quisiera enseñar sólo una parte de su potencial. Aunque las composiciones distan mucho de ser complejas, se alcanzan a percibir destellos de ambición que tratan de crear un disco profundo. A pesar de todo lo logra, y en ocasiones es tan profundo que se convierte en música nada fácil de seguir. Mis primeras impresiones del disco fueron un tanto pesimistas debido a un sonido muy lento y elementos repetitivos. No obstante, Moon Pix es de esos pequeños discos que crecen con el tiempo hasta convertirse en grandes experiencias. Letras muy bien pensadas y herméticas que dejan numerosas interpretaciones. Un sonido que no encaja del todo en el ámbito comercial. Una voz contenida que habla en frases enigmáticas cargadas de emociones. Todo esto proveniente de una sola mujer.

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Manu Chao - Clandestino (1998)

-llegó el cocodrilo y super chango y toda la vaina de maracaibo-

Partimos de un principio básico. La música de Manu Chao es compleja y dicha música tiene que provenir de un ser complejo, ya que siendo europeo, logra capturar toda la energía latina (incluso más que algunos latinos). Es el poeta de nuestra época y al mismo tiempo portavoz de una causa que va más allá de la música. Un sujeto que vive, siente y sabe lo que hace. Un ejemplar en extinción que me hace pensar que pocos quedan como él.

Cuando Mano Negra llegó a su fin, Manu Chao arrancó al poco tiempo su proyecto como solista. Nada lo detuvo para crear un disco debut increíble. Una síntesis de reggae, rumba y otros ritmos latinos. Se apoya en su cualidad políglota para darle al álbum una fluidez increíble. El proceso de producción es impecable. Se siente como si todo el material fuera una sola gran canción, es por eso que la experiencia de escuchar a Manu Chao se enriquece cuando escuchamos un disco en su totalidad y no cuando se toman los temas por separado (lo cual tampoco es malo). Clandestino sigue la tradición de música con contenido social y contiene temas ya clásicos como Desaparecido, Clandestino, Bongo Bong y Welcome to Tijuana. Una fórmula que maneja (y que le funciona muy bien) es la de presentar temas reciclados, es decir, un mismo ritmo puede aparecer en varios temas, pero con variaciones significativas. Esta herramienta la utilizará a lo largo de su carrera y se verá acentuada en sus futuros discos.
Finalizando. Un discazo que nos recuerda que la verdadera música alternativa sigue presente. Hablamos de una producción redonda y hace de Manu Chao una experiencia a escuchar antes de morir. Nada más que decir.

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Babasónicos - Jessico (2001)

-soy víctima de un dios frágil temperamental-

Jessico significó un paso importante para los Babasónicos. A pesar de haber sido su sexto álbum, fue el primero en generar un éxito comercial. Después de haber terminado contrato con Sony, la banda comenzó ser seducida por un sonido mucho más pop y melódico. Esto provocó que el disco fuera rápidamente aceptado por la crítica y por una nueva oleada de fans. En sí, el material recoge elementos de la electrónica, pop, rock y una pizca de psicodelia. Es bastante agradable al oído, aunque en ocasiones unas fuertes distorsiones aparecen casi de la nada. Las letras reflejan una actitud ya habitual en ellos: son tajantes y no se andan con rodeos. Sin embargo, Jessico también ofrece puntos negativos. Me da la sensación que es un disco que se sostiene a base de sus singles. Son pocas del resto de las canciones que pueden equiparárseles. Lo peor, los sencillos están amontonados en la primer mitad del disco, haciendo una segunda mitad no tan favorable.
En general el nuevo sonido de los Babasónicos es atractivo y desafiante que les generó un poder de convocatoria antes desconocido para ellos. De todas formas habré de advertir que Jessico es sólo un escalón para llegar a a lo que materializaron en Anoche.

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El Cuarteto de Nos - Raro (2006)

-era linda aunque con mal aliento, pero le cedí la mitad de mi asiento-

Conocí a esta banda uruguaya en un festival de música hace medio año. No sabía absolutamente nada de ellos, pero decidí ver su presentación de todas formas. Recuerdo que cuando empezaron a tocar le dije a un amigo: "se parece a Bersuit". Después mencioné algo así como: "las letras están chidas". Para ese momento mi cuerpo se estaba moviendo al ritmo de aquella música. Fue así que se surgió la tan buscada catarsis. Simplemente me atrapó el uso de letras ingeniosas a ritmo de rap. Fue uno de esos momentos en que me hubiera gustado conocer las canciones de antemano para poderlas haber rapeado al mismo tiempo. Pero como dicen los que saben, el hubiera no existe, y me conformé entonces con conseguir el disco al día siguiente.
Seré franco, en varias ocasiones me parecía haber oído ese sonido con anterioridad, algunos intros parecen sacados de otras canciones (aunque, ¿quién no lo ha hecho?) y pareciera que en el cierre del disco pusieron algunas canciones para rellenarlo. La intensidad con que empieza el álbum es digna de mención pero tristemente se va diluyendo poco a poco conforme avanzan las pistas. De cualquier manera, creo que la manufactura de las letras es impecable. Son graciosas y llenas de humor negro. Suficiente para darle una escuchada a este material.
En pocas palabras, un disco descarado que no le pide permiso a nadie para burlarse de todo y de todos.

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La Revolución de Emiliano Zapata - La Revolución de Emiliano Zapata (1971)

-i've got no money, oh but i've got soul-

Estaba hace un par de semanas navegando por la red en busca de algo interesante que escuchar. En realidad, no se cómo fue que me topé con este disco exactamente, pero en fin, apareció un disco setentero, una banda mexicana, un nombre extraño y desconocido, es decir, ¿qué podía perder?
La Revolución de Emiliano Zapata, conocidos como la Revo, es una banda originada en Guadalajara al estilo de bigotes prominentes, largas melenas descuidadas y ropa holgada. Salieron del anonimato al ganar un concurso de bandas de una estación local de radio. Su popularidad llegó hasta tierras europeas gracias a la canción que abre el disco, Nasty Sex. En concreto, estamos hablando de un disco con una producción muy baja en costos, casi cruda. Todos sus temas son cantados en inglés por una voz con mucho acento y que en el aspecto vocal tiene mucho que mejorar. Su mayor apuesta se centra en la guitarra, un manejo sorprendente con solos y solos por doquier. Un sonido que proviene de la escuela psicodélica, pero mucho más pesado, lo hace convertirse en un rock muy ácido, haciéndolo no tan digerible en ocasiones. Concluyendo. Un disco que pese a sus limitantes saca a flote una intensidad y genialidad inigualable, posicionándose como uno de los mejores discos mexicanos que haya escuchado.

Por otro lado, hay una cuestión que abordar. Es muy raro que un disco de semejante magnitud haya desaparecido del mapa. La banda alcanzaría a grabar un segundo LP antes de dar un giro radical en su música, pues para su tercera entrega la banda lanzó un disco de baladas románticas. De esta manera, la Revo pasó a ser el primer gran judas de la escena musical mexicana. En consecuencia, el castigo que recibió fue severo: ser borrado de la conciencia colectiva de una nación entera.

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Radiohead - Hail To The Thief (2003)

-don't look in the mirror at the face you don't recognize-

Creo que cada década ha sido representada por un fenómeno musical, específicamente por una o dos bandas. A estos grupos se les suele identificar por poseer una aceptación masiva (de una generación en particular), ejercen una enorme influencia en otras bandas, tienen un proceso de evolución ascendente, pero sobretodo, marcan pautas. Por lo general, estas bandas no inventan un género musical, más bien, se encargan de llevarlas a límites y evidenciar su potencial. Pues bien, Radiohead es una de esas bandas que surgen cada diez años. Es la culminación de todo un proceso musical demasiado ambicioso y deprimente.

Hail To The Thief es el sexto material de la banda. En esos momentos, Thom Yorke y compañía gozaban ya de una gran aceptación, aunque se había dado una separación de fans (los Ok Computer, y los Kid A). Dando un vistazo general, se podría decir que este disco significa un paso en retroceso para la banda en cuanto a innovación. En sí, el sonido que ofrecen es un poco llevado por guitarras y otro poco llevado por la electrónica. En este sentido, todos los fans pueden estar conformes. Ahora bien, el disco funciona más bien en un aspecto que reafirma todo lo aprendido, aunque de forma a veces inconexa entre las mismas canciones. En fin, material altamente recomendable. Tal vez no sea su mejor trabajo, pero si es una excelente opción para comenzar a escucharlos. Por cierto, considero que Hail To The Thief tiene la mejor canción de cierre de toda su discografía.

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The B-52's - The B-52's (1979)

-here comes a bikini whale-

La historia puede ser un poco cruel con algunas bandas.

The B-52's fueron pioneros en su género. Lograron una fusión entre el new wave, el pop, la psicodelia y el surf. Poseedores de un par de voces extravagantes. Ingeniosos. Creativos. Versátiles. Locos. Sin embargo, todo aquello no sirvió para evitar perderse en las arenas del tiempo y es que hoy en día son pocas las personas que recuerdan su música, salvo por algunas pistas, en cuyo caso, el nombre de la banda es eclipsado por el de la canción. Son pocas las bandas que logran un balance entre la creatividad y el dominio musical. Los B-52's lo hicieron y agregaron un elemento más: la insania. Uno de sus puntos más interesantes es como se van alternando las tres voces, parece una conversación que nunca acaba. Letras realmente incoherentes que evocan la espontaneidad. Sería imprudente decir que todo el disco es un reflejo de lo que es Rock Lobster. Nada más erróneo que eso. Esa canción es solamente uno de los lados de la banda. Francamente cuando escuché el disco por primera vez resultó en decepción. Quiero decir, esperaba que todo fuera una canción épica de las dimensiones de Rock Lobster. Es en ese aspecto donde quizá falle más el disco. Hay que darle muchas oportunidades para redimirse y ver más allá de lo evidente. Así encontraremos joyas del calibre como 52 Girls, 6060-842 o Hero Worship. Un disco que captura el espíritu de la época. Nada minimalista, nada reservado.

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Louise Attaque - Louise Attaque (1997)

-elle est pas méchante, mais putain qu’est ce qu’elle est chiante-

Fue al final de esa década cuando Francia vio nacer a una de sus mejores bandas nacionales. El fenómeno que fue Louise Attaque en su país, dejó impresionados a público y crítica. Un magnífico debut quedó concretado en su disco homónimo, una obra maestra oscura, densa e impenetrable. Ahora, ¿qué lo hace tan magnífico? El grupo establece sus propias reglas desde el inicio, es fiel a ellas, a veces tocando los límites de la chanson française, el folk, la música clásica o el rock, pero siempre sonando a Louise Attaque, siempre. Su alma es un incesante violín tocado a la perfección con una ligera tendencia al caos, simplemente hermoso. Las percusiones son el cuerpo que origina el movimiento, marcando los tiempos con furia, algo que no se repetirá jamás. Una voz desesperada es la mente del disco, parece que gritará en cualquier momento, cuidado.

En fin, un disco inquietante y nada tranquilizador. Al contrario, pareciera que la intención de los músicos fuera llegar a la esquizofrenia misma aunque tus oídos probablemente lo agradecerán.

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Guns N' Roses - G N' R Lies (1988)

-you know i don't like being stuck in the crowd-

El segundo disco es los Guns N' Roses es un tanto extraño. La mitad de sus canciones son versiones en vivo previamente lanzadas. La segunda mitad está conformada por canción acústicas excelentemente trabajadas. Además, entre todo esto se encuentran un par de covers. Appetite for Destruction fue una odisea insaciable sin descanso. En ese sentido, la primera parte de G N' R Lies no ofrece nada nuevo, y por lo tanto, hace de la segunda mitad mucho más atractiva. En ella se explora un territorio ajeno a la banda y que se conformaría mejor en Use Your Illusion con las ya clásicas power ballads. Por otro lado, una vez más la voz del señor Axl Rose, se confirma como una de las mejores en el género, siendo él mismo presa de la controversia por haber incluido letras aparentemente homofóbicas y racistas en One In A Million.

Nunca he podido ver este material como un LP en su totalidad, tal vez debido a su media hora de duración o incluso por su curiosa producción. El punto, sin embargo, es como G N' R Lies es un punto y aparte en su discografía: muy light para estar cerca de Appetite for Destruction y demasiado sencillo para estar entre el complejo Use Your Illusion.
Finalmente, detrás de todo lo que se diga de ellos (su pereza, su prepotencia, su poca visión), la genialidad está implícita.

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