Joy Division - Closer (1980)

-moving along in our god given ways-

¿Qué es la experiencia Joy Division? Me imagino que ha de ser el equivalente a nadar en un mar de aguas negras. Un lugar confuso, asfixiante y deprimente.
Han pasado ya casi treinta años desde la desintegración de la banda. Afortunadamente sus murmullos siguen escuchándose. No voy a negar que hablar de Joy Division se ha vuelto una especie de moda. La figura de Ian Curtis sigue creciendo a un ritmo impresionante, la agrupación es hoy en día citada como de gran influencia e incluso por ahí se empieza a manejar el término de Post-Punk Revival para hablar de bandas como Interpol, Editors y The National. Después de tanto tiempo, su ausencia pesa más y más. Irremediable. La pequeña grieta que causaron con cuatro años de existencia se ha vuelto ya, un cráter.
Closer es el segundo álbum editado por Peter Hook (bajo), Bernard Summer (guitarra y sintetizadores), Stephen Morris (batería) y Ian Curtis (voz). El nombre de Joy Division ya era conocido en el Reino Unido, en algunas partes de Europa y comenzaba a ser digerido por el mercado estadounidense. A pesar de que hubo muy poco tiempo entre la grabación de Unknown Pleasures y Closer, las diferencias son relevantes. Por ejemplo, en el primero la influencia del Punk era bastante clara, en este disco se conserva sólo en espíritu. El corte del álbum es mucho más oscuro, más denso y por lo tanto menos digerible. Hay también más uso del sintetizador, sin embargo, sigue sin ser el instrumento principal. Por otro lado, las hermosas letras y la inusual voz de Curtis son de nuevo elemento clave. En cierta forma, Closer es un tanto más ambicioso y experimental que su predecesor.
Un pequeño vistazo. Un desconcertante inicio con Atrocity Exhibition, el himno Isolation, la hipnótica Heart and Soul y el impresionante cierre de Decades. Closer cubre esto y más. Un mes antes de su lanzamiento, Curtis se suicidó. Su cuerpo fue encontrado colgado en la cocina de su casa. Después del acontecimiento, se han editado varias compilaciones de la banda incluyendo rarezas, presentaciones en vivo, sencillos, lados b y una que otra curiosidad. Por lo que respecta a los sobrevivientes de Joy Division, el trío se embarcó en un nuevo proyecto, New Order.
Y así fue como terminó la historia de la banda de culto más grande que ha existido.

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Arctic Monkeys - Whatever People Say I Am, That's What I'm Not (2006)

-love's not blind but deaf-

Arctic Monkeys aprovechó el terreno ya pavimentado por The Libertines y se dieron a conocer por medio del fenómeno mundial MySpace. Después de eso, todo se presentó casi por inercia. El primer LP se convirtió en uno de los discos debut más vendidos en el Reino Unido, los premios llovieron a montones y las canciones se escuchaban por doquier. Whatever People Say... es un álbum agresivo que promueve adrenalina. Fusiona la enorme tradición británica con el sonido del Garage, y aunque la música sea bastante sencilla, está muy bien articulada. Guitarras que se repiten una y otra vez a altos decibeles en forma de riffs. La voz de Alex Turner claramente influenciada por figuras como Casablancas o Doherty. Letras ingeniosas y coloquiales referentes a la cultura popular como "they might wear classic reeboks or knackered converse". Por otro lado, considero que el material gana fuerza en la segunda mitad debido a que en la primera parte, abusan de las fórmulas prediseñadas. Después, se presenta una banda más versátil.

Cerrando. Buen disco, incluso cuando hay mejores propuestas en el género, o al menos eso es lo que pienso.

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La Barranca - Tempestad (1997) [Edición Especial]

-la materia del deseo se empieza a manifestar-

Ahora que gran parte de la música parece ir en una dirección similar, La Barranca logra permanecer fiel a sus ideales, creando así una especie de inmunidad que les confiere fortaleza. Sin embargo, sus opositores pueden entonces llamarlos puristas e incluso retrógradas.
Al final de cuentas, La Barranca es de las pocas bandas nacionales de rock de culto que posee una sólida comunidad de seguidores. Curiosamente, su principal virtud es la introspección. Una banda que va de la periferia al centro, y no del centro a la periferia como muchas otras.
La Tempestad es el segundo disco del grupo. En esos años aún contaban con la alineación original (Aguilera, Fong, André, Gaytán). Estos cuatro músicos lograron fraguar un discazo que en su mayor parte se encarga de abordar al mar y sus misterios. Música y letras profundas llenas de inteligencia y quizás un poco de pesimismo. La grave voz de José Manuel Aguilera dota de un aire taciturno a un sonido que generalmente es fino y en instantes rudo. Aparte, se nota un gran trabajo en las percusiones. A grandes rasgos, La Tempestad te transporta a un mundo orgánico con texturas y relieves: lo puedes tocar, lo puedes oler.
La edición que dejo a su disposición es un relanzamiento con tres canciones nuevas. El Desafío 1, una versión ligeramente diferente de la original, y dos canciones instrumentales, Escafandra y Ofrenda.

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Nina Simone - I Put a Spell on You (1965)

-sleep in peace when day is done that's what i mean-

El tiempo sigue su marcha y Simone permanece como una de las personalidades más fuertes del jazz. A casi seis años de su muerte, comienza a formarse la leyenda de una mujer afroamericana que podía cantar como nadie nunca lo ha hecho gracias a una tesitura excepcional. Su legado es grande, y durante ese tiempo pudo desarrollar un temperamento fuerte e indomable. Consecuentemente, su figura se extendió hasta la defensa de los derechos de los afroamericanos.
I Put a Spell on You está conformado por doce temas, ninguno escrito por Simone. Sin embargo, esto no le quita puntos al disco, y es que cuando se trata de Simone, la música funge como mero pretexto. Todo lo que rodea a la voz es eclipsado en instantes.
Vuelvo al disco. Un pequeño pero sustancioso recorrido por el Blues, Soul, R&B y Rock n' Roll envuelto en una caja de Jazz para llevar. Además, se concibieron varias de las canciones más conocidas de la artista, de las cuales, Feeling Good (una de las canciones con más covers en la historia) destaca por un manejo de voz inigualable. Te atrapa.
El cierre. Con todo, Simone triunfó a pesar de tener dos elementos en contra dentro de una sociedad altamente represiva: ser negra y ser mujer. Grande Nina, grande.

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Oasis - MTV Unplugged (1996) [Bootleg]

-talk tonight! send for the woman in the black there!-

Una capa de incertidumbre ha rodeado a esta presentación. Ya sea la ausencia de Liam, o la negativa de un lanzamiento oficial. Por las razones que hayan sido, el hecho es que el unplugged de Oasis resultó un material digno de culto entre los fans de la banda. Meses antes, Noel había demostrado al mundo su capacidad vocal con Don't Look Back in Anger, pero no fue hasta este momento que el compositor se reveló como un gran cantante, pues todas las voces van por su cuenta. Como ya es costumbre para este tipo de eventos patrocinados por la MTV, se reclutan a diversos músicos talentosos para acompañar al artista principal. Esto no hace otra cosa más que darle un toque diferente a los temas de estudio.

Pues bien, grabado durante pleno apogeo, se interpretaron las ya clásicas Live Forever, Wonderwall y la mencionada renglones arriba. No obstante, los mejores momentos son los lados B, Round Are Way, Listen Up, Talk Tonight y The Masterplan, el cual se convertiría en pieza favorita de los fans.
Gran presentación que deja al descubierto otro lado de la banda, ahora sin Liam. Paradójicamente, la banda funcionó, y funcionó bien.

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King Crimson - In the Court of the Crimson King (1969)

-confusion, will be my epitaph-

Es difícil entender el rock progresivo sin antes darle una revisada a este álbum. King Crimson se encontraba (sin saberlo) en las raíces de una nueva generación de músicos que controlarían la próxima década. Tal vez Pink Floyd sea el acto con más fama en el género, pero es inevitable catalogar a In the Court of the Crimson King como uno de los discos más influyentes de la música moderna. No sólo presentaba una icónica portada, sino que se trataba de un logro musical sin precedentes. Canción largas, improvisaciones, sinfónicas, composiciones complejísimas, atmósferas, lo cual se vería reflejado a lo largo del rock progresivo. Todo arranca con un efectivo gancho, 21st Century Schizoid Man produce una conexión inmediata. Su grandeza va implícita. A partir de aquí, la intensa energía se transforma en melodías enigmáticas y pensamientos introspectivos. Es una hazaña, pues la banda logra condensar una obra maestra en tan sólo cinco canciones. Desde la improvisación de diez minutos en Moonchild, hasta la extraordinaria lírica de Epitaph. Todo dice que se trata de un disco profundo, y por lo mismo no debe ser tomado a la ligera. La mayoría de la música está hecha para mover sentimientos, King Crimson finalmente creó música para mover pensamientos.

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Los Tres - Arena (2007) [Live]

-han muerto varios avales desde que esta canción fue hecha-

Es un hecho. El regreso de bandas en lo que va del milenio se ha vuelto ya una moda. Algunas por dinero, otras por recuperar aquellos días de gloria, y una pequeña parte por el simple amor al instrumento. Incluso, este fenómeno se ha repetido tanto que de novedad ya no tiene nada. De cualquier manera, se genera un contacto con las nuevas generaciones, y eso, siempre será bueno. El reencuentro de Los Tres se dio un año antes de la publicación de Arena. Sin duda, uno de los mejores regalos de Sudamérica al mundo. El álbum contiene aquel concierto que dieron después de seis años de ausencia en su país de origen. Dos discos. Dos Noches seguidas. Tengo la fortuna de haber visto tocar a la banda un par de veces, y puedo asegurar que Arena representa la esencia de Los Tres en vivo. En aquel par de noches, los chilenos recibieron una experiencia inolvidable con 27 canciones, casi dos horas de concierto. Aunque se abrevió el concierto en su edición de CD, se aprecia un profundo recorrido de la música de Los Tres. Hacen su aparición los ya clásicos himnos Olor a Gas, Un Amor Violento y Déjate Caer, así como nuevo material de Hágalo Usted Mismo. Colaboraciones de diversos músicos, entre ellos Meme de Café Tacvba, que a mi parecer deja mucho que desear en sus intervenciones vocales. No queda más que decir que la versión de Déjate Caer en vivo es simplemente increíble.

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Bratsch - Sans Domicile Fixe (1990)

Llevaba rato debiendo un disco de música francesa. Bratsch es una agrupación de cinco músicos virtuosos. Cada uno se encarga de exprimir al máximo su instrumento, ya sea la guitarra, el acordeón, el contrabajo, el clarinete o el violín. La situación de Bratsch es muy particular. Son franceses, pero no tocan música totalmente francesa. Hacen una síntesis de la música gitana, la polca, ritmos árabes, chanson française y en ocasiones incursionan en la música española. En pocas palabras, Bratsch lleva a al mundo occidental la experiencia musical del mundo oriental, principalmente aquella que proviene de Europa del este. Terreno prácticamente desconocido en esta parte del globo.
Aunque podría encasillarse a Bratsch como algo serios, es imposible negar esa herencia balcánica que tratan de perpetuar, y por lo mismo, el toque folclórico y festivo es imposible de negar.
Sans Domicile Fixe es el quinto disco de la banda. Un material que en su mayoría está conformado por temas instrumentales, pero con algunas canciones cantadas en lengua romaní, lo cual, lo hace bastante atractivo. Finalmente, algunas pistas bastante lentas rompen el ritmo intenso del álbum. Aún así, Sans Domicile Fixe logra consolidarse como un material consistente y adictivo. Además, siempre será bien recibida música interesante hecha por músicos impresionantes.

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R.E.M. - Chronic Town (1982) [EP]

-gentlemen don't get caught-

El panorama musical de aquella década era muy cerrado. El New Wave parecía una fuerza implacable que devoraba todo a su paso. Por otra parte, el Metal se encontraba en su segundo aire. Salir del underground era casi imposible, es más, algo que no se contemplaba. Sin embargo, algunas bandas lograron colarse a planos mayores y rodearse de una mayor audiencia. R.E.M. probablemente se trate del mejor ejemplo. A pesar de su situación actual, Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry nacen como una banda completamente independiente. Chronic Town se trata de su primer material oficial, un EP con cinco canciones. Cinco canciones que les dieron credibilidad para la creación de su primer LP. La banda evocaba el sonido Post-Punk, aunque no de forma tradicional, ya que un sonido alegre se contraponía a letras oscuras y tenebrosas. La peculiaridad de la voz de Stipe fue otro de los incentivos. Música sin sintetizadores. Música sin solos de guitarras. Música sin pretensiones. En fin, R.E.M. figura como uno de los grupos más importantes de los 80's y principios de los 90's. Chronic Town es una excelente presentación de la banda, aunque es una lástima que este sonido lo conservaron solamente durante sus primeros discos.

Por cierto, una de las bandas consentidas de Kurt Cobain.
Otro por cierto. Conseguir una copia en CD de Chronic Town es imposible.

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Radiohead - Pablo Honey (1993)

-dear sir, i have a complaint can't remember what it is-

Hay bandas que hacen de su debut un suceso musical. Otras, por el contrario, tienen un inicio bastante discreto. Radiohead pertenece a este segundo grupo a diferencia de lo que se pueda pensar viendo la aceptación que tuvo años después. Con todo, Pablo Honey contiene una de sus canciones más conocidas: Creep, y debido a esto, vivió el gran drama de las bandas hasta casi llegar a ser catalogada como One Hit Wonder. El éxito de la canción fue tal, que el nombre de Radiohead se difuminaba poco a poco. Fue un inicio áspero y cruel, pero valió la pena. Aunque escuchando a conciencia Pablo Honey hay varios elementos rescatables y dignos de mención. No se trata de un Radiohead inmaduro; se trata de un Radiohead que nunca volverá a ser. El sonido presentado fue claramente influenciado por el Grunge de Estados Unidos, por los pioneros del Brit-Pop y también por aquellas distorsiones de los Sonic Youth. Sin embargo, sería un ambiente depresivo lo que permanecería a lo largo de su trayectoria.

Punto y aparte. Hay dos maneras de ver el disco. La primera es dentro de la discografía de Radiohead. Con esta visión el álbum sale muy perjudicado e ignorado. Una segunda forma de verlo sería como disco totalmente independiente. Así, Pablo Honey crece considerablemente hasta llegar al rango de culto, e incluso en una joya menospreciada. Eso sí, se agradecerá por siempre que la banda haya evolucionado.

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