De la experiencia y el dios de las seis cuerdas III

The Jimi Hendrix Experience - Axis: Bold as Love (1967)
- and so castles made of sand fall in the sea, eventually -

Tom hizo su elección como sólo un neófito sabe hacerlo: por la portada. Tomó dos de los discos con diseños más raros y llamativos de la menguada colección de su padre. El primero, una banda francesa cuyo nombre no podía pronunciar, mostraba lo que al parecer eran siluetas de personas borrosas. Lástima, el vinilo estaba totalmente rayado. Lo cambió. Su segunda elección se basó en una curiosa ilustración con motivos hindúes. Las múltiples cabezas de un solo ser lo hipnotizaban y le ordenaban reproducirlo. Lo puso a girar inmediatamente. Al principio, Tom se sintió confundido, indefenso y amenazado. Era muy parecido a lo que le pasa a la gente cuando ve a Fellini por primera vez. El efecto podía ser irreversible. Sin embargo, Tom no se dejó vencer tan fácilmente. Se concentró al máximo y fijó su atención en todos aquellos nuevos sonidos.
A pesar de que el nombre Jimi Hendrix le sonaba familiar, su música era aún ajena a sus inexpertos oídos. Lo que más le inquietaba era la ausencia de coros. Acostumbrado a bandas noventeras, Tom no podía concebir la música sin ellos, así que buscó un pretexto para justificar la medida: La voz del vocalista no estaba hecha para cantar, pensó él, estaba hecha para relatar historias. Era una auténtica voz de cuenta cuentos. Le emocionaba la idea de que alguien pudiera hablar de un jefe indio y al mismo tiempo tocar la guitarra tan naturalmente que pareciera que fuera parte de una convención. Y aunque dominaba perfectamente el inglés, sentía que el significado de las letras se le escapaba de la mente. ¿Cómo interpretar I just wanna know about the rooms behind your minds? ¿Qué le podía decir esto a un puberto de 14 años? Aún así, se sintió bien. Por alguna razón sabía que no estaba perdiendo su tiempo en una grabación vieja y olvidada. Al contrario, se sentía un arqueólogo que descubría las ruinas antes adoradas por civilizaciones antiguas.
Hubo una canción que permaneció en la mente de Tom por más tiempo que las demás. Cuando se terminaba, tomaba el brazo del tocadiscos y lo regresaba a donde comenzaba la pista. Repitió la acción más de cinco veces. Escucharla tanto la merecía acreedora de saber su nombre. "Little Wing", decía la parte trasera de la caja. Así que Little Wing se convirtió en el tema de la semana. En apariencia más sencilla, llegaba más hondo que cualquier otra canción del disco. Cuando la escuchaba no podía evitar pensar en alguna canción de Use Your Illusion de los Guns n' Roses, quizá, por ser sus contemporáneos. A estas alturas lo que el disco le brindaba a Tom no eran verdades y afirmaciones, sino un mar de duda e incertidumbre que lo hacían cuestionarse las cosas. ¿Cómo es que las guitarras van al revés? ¿De dónde sacan tanta fuerza? ¿Porqué demonios no cantó Jimi todas las canciones? ¿Bold as Love? Cuando el disco terminó, Tom se sentía ofuscado. Demasiada energía, tal vez. Después de pensarlo, se puso triste. Nunca más iba a escuchar este disco por primera vez.

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De la experiencia y el dios de las seis cuerdas II

The Jimi Hendrix Experience - Are You Experienced? (1967) [Edición EUA]
- excuse me while i kiss the sky -

Are You Experienced? no es una simple pregunta. Muy sutilmente implica un reto, un desafío. Es también una advertencia: te diriges hacia lo desconocido, y con esto, rápidamente se inicia un diálogo entre el escucha y la alteridad, Hendrix es solamente un mediador más. Por si fuera poco, el título cobra otro significado después de haber escuchado el disco, ¿quieres más?
Are You Experienced? es como un viaje incómodo patrocinado por el LSD con muy pocos espacios para la serenidad. La propuesta musical lleva a las sensaciones a lo más alto. Cuando finalmente logra haber un momento de tranquilidad, digamos, This May Be Love, es sólo para sumergirse en una hipnosis profunda. La voz de Hendrix (que nunca se decide entre cantar, hablar y gritar) lanza frases incomprensibles como "I can see my rainbow calling me yeah". Así, de esta manera Hendrix hace de Are You Experienced? una especie de poemario, a veces tan alucinante que es difícil verlo en panorámico; es preferible si se le desglosa. Pensamientos alienígenas sobre la naturaleza humana en Third Stone from the Sun. La locura y el desorden de Purple Haze: Is it tomorrow, or just the end of time? pregunta Hendrix. Love or Confusion, el trillado tema de amor hecho con frases que nada tienen de prefabricadas: My heart burns with feeling, but my mind, it's cold and reeling. Una afrenta directa a las baladas románticas, y es que en lugar de sonar sobrios y limpios, la banda optó por los altos decibles y la ejecución cruda.
Dentro de la misma línea, Hendrix, consciente de lo que la mujer significaba para él, reservó un lugar especial para ella. Aunque lo expresaba de maneras muy particulares, él estaba completamente enamorado de la feminidad. Ya sea la mujer asesinada en la legendaria historia de Hey Joe, como objeto de deseo en Foxey Lady. E incluso en Fire, donde el despecho de un hombre por una mujer lo conduce al valle de la amargura. Al final, es ella quien altera los sentidos de la realidad, cual droga, un misterio al que Hendrix se atrevió a enfrentar. Sólo él sabe si tuvo éxito. Por su parte, el desenlace del disco también juega con lo enigmático. La canción que bautizó al álbum es un mantra que engloba las ideas de todo Are You Experienced? De alguna manera ayuda a asimilar y orientar su contenido. Después, el fuego interno que lo mantiene con vida y en movimiento lo consume casi al instante. Las cenizas son llevadas por el viento sin destino aparente, de forma muy parecida a la incertidumbre que Hendrix expresaba: "will i live tomorrow? well, i just can't say, but i know for sure i don't live today".

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De los tardíos noventa y sus obras maestras III

Radiohead - OK Computer (1997)
- sleeping well, no bad dreams, no paranoia -

Tercer disco. Tercera faceta.

Es casi imposible hablar de este disco sin sonar trillado. De cualquier manera, hay que dar gracias por no haber existido un periodo de transición entre este material y el anterior, y aún mejor, esta evolución fue espontánea, simplemente se tenía que dar. Radiohead se encargó de elevar a lo más alto el Brit Pop y ofrecer otra cosa a cambio, que por cierto, es difícil de enmarcar. Lo más atractivo y novedoso en su tiempo fue lo meticuloso de su post-producción. El resultado fue una experiencia sensorial abrumadora, a veces, sofocante. Además, el disco, manejaba (intencionalmente o no) un concepto pocas veces abordado en el rock: el post-modernismo, lo cual, provee al disco de un temple analítico, reflexivo, crítico en tanto a la situación actual del hombre y la sociedad. Esto, evidente en la rarísima Fitter Happier. Aunque generalmente el sonido es taciturno y casi desalentador (lo cual me parece bastante atinado debido a los temas que abordan), canciones como Electioneering y Paranoid Android (uno de los grandes himnos de los 90's), vienen a revolucionar el disco. Desde la apertura de Airbag hasta la tranquilizadora Exit Music, y desde la famosísima Karma Police hasta la canción de cuna No Suprises, Radiohead invita a pensar en el mundo actual de una manera única y privilegiada. Unica por su gran labor de innovación, no sólo de la banda, también de los ingenieros de sonido y producción. Privilegiada por que gracias a este material, Radiohead fue considerada la banda más grande su tiempo.

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De los gigantes argentos y sus sutiles poemas IV

Almendra - Almendra (1969)
-beso mares de algodón, sin mareas, suaves son-

Estuve dudando mucho sobre si subir este disco o dejarlo para un futuro. No hay una razón concreta para ello, simplemente lo pensé, y es que Almendra es un disco tan profundo, tan enigmático y tan exacto que no pude dejarlo pasar inadvertido. Pero antes un poco de marco contextual. Almendra es la primera banda del genio Spinetta, y con ella se escribieron las primeras notas del rock argento, fenómeno paralelo a la creación del universo spinetteano. Así de sencillo, este disco es la médula espinal del rock en español. Ojo, con ello no afirmo que sea el mejor disco en español que se haya grabado, pero posee unas cualidades únicas y envidiables provenientes de un chamaco de diecinueve años, casi veinte. Un relieve asombroso tapizado en rock y psicodelia. Este último género le permite al autor transportarnos a parajes poco convencionales gracias a una poesía incomparable. Así se crea un interesantísimo juego entre lo que oímos y lo que interpreta nuestra mente, el reto queda entonces en permanecer cuerdo, nada fácil en un disco donde cada canción parece estar conformada por dos o tres partes.

Con este disco el Flaco entra con dos pies derechos a la escena musical, además, postula y responde tres preguntas claves: ¿Cómo hacer rock en español? ¿Qué es? y ¿Por qué?

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De los gigantes argentos y sus sutiles poemas II

Sui Generis - Vida (1973)
-¿dónde está el sol? ¿dónde está dios?-

Cuenta la leyenda: Charly García y Carlos "Nito" Mestre formaron una banda junto con otros compañeros de la escuela. Todos ellos apenas superaban los veinte años. Ya teniendo varias canciones dominadas, decidieron hacer una modesta tocada en vivo. El día del evento, sólo se presentaron aquéllos dos y aun así, decidieron subir al escenario. García se encargó de la guitarra y Mestre hacía lo suyo con la flauta. Ambos cantaban. Al finalizar su acto, la respuesta del público fue bastante positiva, incluso para ellos mismos, pues no esperaban algo así después de haber visto a su grupo diezmado. Con esto en mente, Sui Generis decidió continuar su prometedora carrera como dúo y de paso, ser una de las bandas más grandes de toda la historia argentina.

Vida, primera de tres entregas del grupo, es un esfuerzo por concentrar algunos intereses de los chavos de veinte años (mujeres, amigos, identidad), a veces, con letras psicodélicas, aunque es el folk el género que mejor define al disco, con algunas interrupciones de progresivo y blues por ahí. Es posible escuchar un sonido a la Dylan (en su primera etapa).
Muchas de estas canciones son aún coreadas en Sudamérica y forman parte del acervo musical de la gente. Aunque, me quedo con que es un disco algo desproporcionado. A algunas canciones les hace falta más cuerpo, sensibilidad y son un tanto ingenuas (Necesito, Mariel y el Capitán). No obstante, son los himnos como Dime quién me lo robó (una de las mejores canciones que he oído en todo el rock latino) o Amigo vuelve a casa pronto y sobretodo Canción para mi muerte lo más recordado del álbum.
Una producción muy, muy baja, inclusive los instrumentos llegan a oírse desafinados de vez en cuando. Aunque si bien, esto es interesante, no es tan relevante, ya que Vida sigue estando entre los mejores discos nacionales. Por cierto, todas las canciones son escritas por Charly García, quién además de tocar la guitarra se encargó del característico piano.

Descagar

Del sonido de Bristol y los amos del ambiente III

Portishead - Dummy (1994)
-playing with this bow and arrow-

Hoy en día Portishead sufre de una especie de redescubrimiento entre los fans. Después de más de 10 años de ausencia, el año pasado se dieron el lujo de regresar no como un muerto que resucita, más bien, como alguien que vuelve de un auto exilio y busca el momento oportuno para anunciar su regreso. Si se le compara con Massive Attack, Portishead tiene muchísimas diferencias. Primero, Portishead funciona como un grupo más tradicional en cuanto a los roles de sus integrantes. Segundo, estructuralmente sus canciones también son más convencionales y no tan impredecibles. Tercero, la base de Blue Lines es el House, en cambio Portishead opta por el rock como su soporte. Esto puede sonar como una gran crítica a su música, para nada. Con todo, Portishead es hoy en día mucho más influyente que sus compatriotas de Bristol. El sonido de Dummy fue evocado por las obras maestras de los 90's, en referencia a Ok Computer de Radiohead y Homogenic de Björk.

Para ponerlo fácil. Dummy es un grandioso disco, hermoso de principio a fin. El trabajo en los oscuros ambientes es asombroso, contrastando con la dulce voz de Beth Gibbons. Por otra parte, Dummy no se trata del disco de Trip Hop con la mejor producción de la historia, pero sí uno de los más envolventes y cohesivos. La banda logra mantener una misma tonalidad a lo largo del disco para así hacer de Dummy un disco coherente. Queda otro punto por comentar. Increíblemente y a pesar de que el grupo goza de un segundo aire en su carrera siguen conservando un característico bajo perfil. ¿Grandes? No, enormes.

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Luis Alberto Spinetta - Kamikaze (1982)

-he de fusionar mi resto con el despertar aunque se pudra mi boca por callar-

El señor Spinetta está considerado entre los padres fundadores del rock argentino. Tiene un currículum impresionante. Decenas de discos, numerosas bandas y su música es de notable influencia en trabajos de Fito Páez o Soda Stereo. En su país, este músico es una institución intocable. Varios de sus proyectos siguen siendo referentes musicales para comprender el rock argentino y de América Latina en general.

Ahora, en su propio contexto "spinetteano", Kamikaze puso hielo a esa largo historial que había engendrado bandas como Almendra o Pescado Rabioso, mucho más atraídas al rock. El disco no fue muy bien recibido por la crítica y por sus rockeros fans. Por el contrario, este material presenta a un Spinetta 100% acústico, pero conservando una gran sensibilidad. Por que si algo es cierto, trabajar con letras en español es difícil. Spinetta es un pez en el agua cuando de escribir se trata. Sus pensamientos logran penetrar con elocuencia y si no existiera la música, Spinetta seguramente habría sido un prolífico poeta.
Tardé un rato en agarrarle el ritmo al disco. Poco a poco se fue presentando como una obra sensible, sencilla y cautivadora digna de un genio de la música. Como dato curioso, la canción Barro Tal Vez fue escrita cuando tenía la abrumadora cantidad de 15 años. Muestra flagrante de que el rock puede hacerse sin sonidos estridentes. Aunque al decir que es rock creo que lo limita bastante. El disco tiene para mucho más. En pocas palabras, un disco con pelotas. ¡Vaya pibe!

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José Manuel Aguilera - Yendo Al Cine Solo (2001)

-ese amante primitivo que revuelca a tu mujer y tiene orgasmos por ti-

Como miembro fundador y líder de La Barranca, Aguilera se encontraba en medio de una etapa de transición pues el resto de los integrantes de la banda, habían abandonado sus puestos. Fue precisamente en esta situación que se produjo el disco en solitario del señor Aguilera. Para empezar, se recalcan varios puntos interesantes. Primero, Yendo al Cine Solo es una producción en su mayoría instrumental. Segundo, el tono del disco es mucho más arriesgado a lo que nos tiene acostumbrado el artista. Tercero, la inclusión de un tema en inglés, único en su acervo musical. Ahora bien, ahondando un poco, este material es evidencia de las habilidades tanto técnicas como creativas del autor. Composiciones agresivas e inusuales que se acercan más a lo experimental que a lo artístico. Una muestra lo es la incorporación de samplers o el manejo de distorsiones atípicas. Sin embargo, por momentos parece inclinarse en dirección al progresivo, aunque prefiero no catalogarlo como tal. El punto es que de alguna manera logra salirse de los estándares de La Barranca. Curiosamente, las canciones que portan más descaradamente el sonido de aquella banda, son aquellos títulos con alusión a temas mexicanos como Cristalito maya o Como si fuera tolteca. Por último, las pocas letras del disco son fascinantes, y con Medianoche logra consolidar una de sus más atrevidas prosas a la fecha.
Para la realización del disco, contó con la colaboración de Alejandro Otaola (Santa Sabina), y los Hermanos Arreola: José María y Alonso. Todos ellos fuertes aliados, pues serían ellos los que seguirían con el proyecto de La Barranca hasta el 2007.
Ahora se sabe la verdad. Aguilera no es un sujeto cuadrado.

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La Barranca - Tempestad (1997) [Edición Especial]

-la materia del deseo se empieza a manifestar-

Ahora que gran parte de la música parece ir en una dirección similar, La Barranca logra permanecer fiel a sus ideales, creando así una especie de inmunidad que les confiere fortaleza. Sin embargo, sus opositores pueden entonces llamarlos puristas e incluso retrógradas.
Al final de cuentas, La Barranca es de las pocas bandas nacionales de rock de culto que posee una sólida comunidad de seguidores. Curiosamente, su principal virtud es la introspección. Una banda que va de la periferia al centro, y no del centro a la periferia como muchas otras.
La Tempestad es el segundo disco del grupo. En esos años aún contaban con la alineación original (Aguilera, Fong, André, Gaytán). Estos cuatro músicos lograron fraguar un discazo que en su mayor parte se encarga de abordar al mar y sus misterios. Música y letras profundas llenas de inteligencia y quizás un poco de pesimismo. La grave voz de José Manuel Aguilera dota de un aire taciturno a un sonido que generalmente es fino y en instantes rudo. Aparte, se nota un gran trabajo en las percusiones. A grandes rasgos, La Tempestad te transporta a un mundo orgánico con texturas y relieves: lo puedes tocar, lo puedes oler.
La edición que dejo a su disposición es un relanzamiento con tres canciones nuevas. El Desafío 1, una versión ligeramente diferente de la original, y dos canciones instrumentales, Escafandra y Ofrenda.

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King Crimson - In the Court of the Crimson King (1969)

-confusion, will be my epitaph-

Es difícil entender el rock progresivo sin antes darle una revisada a este álbum. King Crimson se encontraba (sin saberlo) en las raíces de una nueva generación de músicos que controlarían la próxima década. Tal vez Pink Floyd sea el acto con más fama en el género, pero es inevitable catalogar a In the Court of the Crimson King como uno de los discos más influyentes de la música moderna. No sólo presentaba una icónica portada, sino que se trataba de un logro musical sin precedentes. Canción largas, improvisaciones, sinfónicas, composiciones complejísimas, atmósferas, lo cual se vería reflejado a lo largo del rock progresivo. Todo arranca con un efectivo gancho, 21st Century Schizoid Man produce una conexión inmediata. Su grandeza va implícita. A partir de aquí, la intensa energía se transforma en melodías enigmáticas y pensamientos introspectivos. Es una hazaña, pues la banda logra condensar una obra maestra en tan sólo cinco canciones. Desde la improvisación de diez minutos en Moonchild, hasta la extraordinaria lírica de Epitaph. Todo dice que se trata de un disco profundo, y por lo mismo no debe ser tomado a la ligera. La mayoría de la música está hecha para mover sentimientos, King Crimson finalmente creó música para mover pensamientos.

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Los Tres - Arena (2007) [Live]

-han muerto varios avales desde que esta canción fue hecha-

Es un hecho. El regreso de bandas en lo que va del milenio se ha vuelto ya una moda. Algunas por dinero, otras por recuperar aquellos días de gloria, y una pequeña parte por el simple amor al instrumento. Incluso, este fenómeno se ha repetido tanto que de novedad ya no tiene nada. De cualquier manera, se genera un contacto con las nuevas generaciones, y eso, siempre será bueno. El reencuentro de Los Tres se dio un año antes de la publicación de Arena. Sin duda, uno de los mejores regalos de Sudamérica al mundo. El álbum contiene aquel concierto que dieron después de seis años de ausencia en su país de origen. Dos discos. Dos Noches seguidas. Tengo la fortuna de haber visto tocar a la banda un par de veces, y puedo asegurar que Arena representa la esencia de Los Tres en vivo. En aquel par de noches, los chilenos recibieron una experiencia inolvidable con 27 canciones, casi dos horas de concierto. Aunque se abrevió el concierto en su edición de CD, se aprecia un profundo recorrido de la música de Los Tres. Hacen su aparición los ya clásicos himnos Olor a Gas, Un Amor Violento y Déjate Caer, así como nuevo material de Hágalo Usted Mismo. Colaboraciones de diversos músicos, entre ellos Meme de Café Tacvba, que a mi parecer deja mucho que desear en sus intervenciones vocales. No queda más que decir que la versión de Déjate Caer en vivo es simplemente increíble.

Descargar CD 1
Descargar CD 2

R.E.M. - Chronic Town (1982) [EP]

-gentlemen don't get caught-

El panorama musical de aquella década era muy cerrado. El New Wave parecía una fuerza implacable que devoraba todo a su paso. Por otra parte, el Metal se encontraba en su segundo aire. Salir del underground era casi imposible, es más, algo que no se contemplaba. Sin embargo, algunas bandas lograron colarse a planos mayores y rodearse de una mayor audiencia. R.E.M. probablemente se trate del mejor ejemplo. A pesar de su situación actual, Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry nacen como una banda completamente independiente. Chronic Town se trata de su primer material oficial, un EP con cinco canciones. Cinco canciones que les dieron credibilidad para la creación de su primer LP. La banda evocaba el sonido Post-Punk, aunque no de forma tradicional, ya que un sonido alegre se contraponía a letras oscuras y tenebrosas. La peculiaridad de la voz de Stipe fue otro de los incentivos. Música sin sintetizadores. Música sin solos de guitarras. Música sin pretensiones. En fin, R.E.M. figura como uno de los grupos más importantes de los 80's y principios de los 90's. Chronic Town es una excelente presentación de la banda, aunque es una lástima que este sonido lo conservaron solamente durante sus primeros discos.

Por cierto, una de las bandas consentidas de Kurt Cobain.
Otro por cierto. Conseguir una copia en CD de Chronic Town es imposible.

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Radiohead - Pablo Honey (1993)

-dear sir, i have a complaint can't remember what it is-

Hay bandas que hacen de su debut un suceso musical. Otras, por el contrario, tienen un inicio bastante discreto. Radiohead pertenece a este segundo grupo a diferencia de lo que se pueda pensar viendo la aceptación que tuvo años después. Con todo, Pablo Honey contiene una de sus canciones más conocidas: Creep, y debido a esto, vivió el gran drama de las bandas hasta casi llegar a ser catalogada como One Hit Wonder. El éxito de la canción fue tal, que el nombre de Radiohead se difuminaba poco a poco. Fue un inicio áspero y cruel, pero valió la pena. Aunque escuchando a conciencia Pablo Honey hay varios elementos rescatables y dignos de mención. No se trata de un Radiohead inmaduro; se trata de un Radiohead que nunca volverá a ser. El sonido presentado fue claramente influenciado por el Grunge de Estados Unidos, por los pioneros del Brit-Pop y también por aquellas distorsiones de los Sonic Youth. Sin embargo, sería un ambiente depresivo lo que permanecería a lo largo de su trayectoria.

Punto y aparte. Hay dos maneras de ver el disco. La primera es dentro de la discografía de Radiohead. Con esta visión el álbum sale muy perjudicado e ignorado. Una segunda forma de verlo sería como disco totalmente independiente. Así, Pablo Honey crece considerablemente hasta llegar al rango de culto, e incluso en una joya menospreciada. Eso sí, se agradecerá por siempre que la banda haya evolucionado.

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Babasónicos - Jessico (2001)

-soy víctima de un dios frágil temperamental-

Jessico significó un paso importante para los Babasónicos. A pesar de haber sido su sexto álbum, fue el primero en generar un éxito comercial. Después de haber terminado contrato con Sony, la banda comenzó ser seducida por un sonido mucho más pop y melódico. Esto provocó que el disco fuera rápidamente aceptado por la crítica y por una nueva oleada de fans. En sí, el material recoge elementos de la electrónica, pop, rock y una pizca de psicodelia. Es bastante agradable al oído, aunque en ocasiones unas fuertes distorsiones aparecen casi de la nada. Las letras reflejan una actitud ya habitual en ellos: son tajantes y no se andan con rodeos. Sin embargo, Jessico también ofrece puntos negativos. Me da la sensación que es un disco que se sostiene a base de sus singles. Son pocas del resto de las canciones que pueden equiparárseles. Lo peor, los sencillos están amontonados en la primer mitad del disco, haciendo una segunda mitad no tan favorable.
En general el nuevo sonido de los Babasónicos es atractivo y desafiante que les generó un poder de convocatoria antes desconocido para ellos. De todas formas habré de advertir que Jessico es sólo un escalón para llegar a a lo que materializaron en Anoche.

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El Cuarteto de Nos - Raro (2006)

-era linda aunque con mal aliento, pero le cedí la mitad de mi asiento-

Conocí a esta banda uruguaya en un festival de música hace medio año. No sabía absolutamente nada de ellos, pero decidí ver su presentación de todas formas. Recuerdo que cuando empezaron a tocar le dije a un amigo: "se parece a Bersuit". Después mencioné algo así como: "las letras están chidas". Para ese momento mi cuerpo se estaba moviendo al ritmo de aquella música. Fue así que se surgió la tan buscada catarsis. Simplemente me atrapó el uso de letras ingeniosas a ritmo de rap. Fue uno de esos momentos en que me hubiera gustado conocer las canciones de antemano para poderlas haber rapeado al mismo tiempo. Pero como dicen los que saben, el hubiera no existe, y me conformé entonces con conseguir el disco al día siguiente.
Seré franco, en varias ocasiones me parecía haber oído ese sonido con anterioridad, algunos intros parecen sacados de otras canciones (aunque, ¿quién no lo ha hecho?) y pareciera que en el cierre del disco pusieron algunas canciones para rellenarlo. La intensidad con que empieza el álbum es digna de mención pero tristemente se va diluyendo poco a poco conforme avanzan las pistas. De cualquier manera, creo que la manufactura de las letras es impecable. Son graciosas y llenas de humor negro. Suficiente para darle una escuchada a este material.
En pocas palabras, un disco descarado que no le pide permiso a nadie para burlarse de todo y de todos.

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Radiohead - Hail To The Thief (2003)

-don't look in the mirror at the face you don't recognize-

Creo que cada década ha sido representada por un fenómeno musical, específicamente por una o dos bandas. A estos grupos se les suele identificar por poseer una aceptación masiva (de una generación en particular), ejercen una enorme influencia en otras bandas, tienen un proceso de evolución ascendente, pero sobretodo, marcan pautas. Por lo general, estas bandas no inventan un género musical, más bien, se encargan de llevarlas a límites y evidenciar su potencial. Pues bien, Radiohead es una de esas bandas que surgen cada diez años. Es la culminación de todo un proceso musical demasiado ambicioso y deprimente.

Hail To The Thief es el sexto material de la banda. En esos momentos, Thom Yorke y compañía gozaban ya de una gran aceptación, aunque se había dado una separación de fans (los Ok Computer, y los Kid A). Dando un vistazo general, se podría decir que este disco significa un paso en retroceso para la banda en cuanto a innovación. En sí, el sonido que ofrecen es un poco llevado por guitarras y otro poco llevado por la electrónica. En este sentido, todos los fans pueden estar conformes. Ahora bien, el disco funciona más bien en un aspecto que reafirma todo lo aprendido, aunque de forma a veces inconexa entre las mismas canciones. En fin, material altamente recomendable. Tal vez no sea su mejor trabajo, pero si es una excelente opción para comenzar a escucharlos. Por cierto, considero que Hail To The Thief tiene la mejor canción de cierre de toda su discografía.

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Louise Attaque - Louise Attaque (1997)

-elle est pas méchante, mais putain qu’est ce qu’elle est chiante-

Fue al final de esa década cuando Francia vio nacer a una de sus mejores bandas nacionales. El fenómeno que fue Louise Attaque en su país, dejó impresionados a público y crítica. Un magnífico debut quedó concretado en su disco homónimo, una obra maestra oscura, densa e impenetrable. Ahora, ¿qué lo hace tan magnífico? El grupo establece sus propias reglas desde el inicio, es fiel a ellas, a veces tocando los límites de la chanson française, el folk, la música clásica o el rock, pero siempre sonando a Louise Attaque, siempre. Su alma es un incesante violín tocado a la perfección con una ligera tendencia al caos, simplemente hermoso. Las percusiones son el cuerpo que origina el movimiento, marcando los tiempos con furia, algo que no se repetirá jamás. Una voz desesperada es la mente del disco, parece que gritará en cualquier momento, cuidado.

En fin, un disco inquietante y nada tranquilizador. Al contrario, pareciera que la intención de los músicos fuera llegar a la esquizofrenia misma aunque tus oídos probablemente lo agradecerán.

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Zoé - Zoé (2001)

-juntos otra vez, tomando whisky en un hotel-

Para cuando se publicó este disco, las bandas "fuertes" mexicanas (llámense Caifanes, La Maldita o Café Tacvba) ya tenían más de 10 años de vida. Se necesitaban caras nuevas. Y así, como se mencionó aquí en el blog, Zoé presentó un disco que nadie se esperaba. Francamente, no fue un suceso en ventas, sin embargo, la banda se atrevió a presentar un sonido fresco que revitalizaba en cierta medida la escena musical. Si bien, Zurdok lo había intentado poco antes, pero desafortunadamente terminó por borrarse del mapa.
Hablando en concreto, el disco debut está conformado por tres facetas, todas ellas bien cuidadas y sabiamente manejadas. La primera (la más conocida y accesible) tiene una orientación hacia el rock y toques de psicodelia. Por otro lado, en la segunda parte se aprecia un sonido predominantemente electrónico (en ocasiones muy pegajoso). En la última cara del disco la banda propone ambientes más oscuros y down tempo. En sus últimas producciones lograrían hacer que estas tres facetas interactuaran perfectamente.
En fin, material altamente recomendable en el cual se demuestra un enorme potencial en letras y música. Cuenta con una aparición fugaz de Saúl Hernández. Y por otra parte, si lo vemos bien, ha sido un disco sumamente opacado por el éxito que significó Memo Rex.

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Soda Stereo - Soda Stereo (1989)

-encendí un cigarrillo, tenía miedo-

Es difícil establecer si Soda Stereo ha sido la banda más grande de habla hispana. Por lo que a mi respecta, a ellos les queda grande ese papel. Su gran mérito radica en haber traído a las masas la fórmula moderna del rock a estas tierras latinoamericanas. Fueron pioneros en una época en la que el rock en español carecía de un rostro que lo representara internacionalmente. Soda Stereo dio la cara y con orgullo. Al haber sido la primera banda en hacer una gira más allá de sus fronteras nacionales, demostraron al mercado musical que el rock latino era una industria altamente rentable.
Recuerdo la primera vez que escuché este disco mientras iba caminando. "¡¿Qué demonios?! Esto es demasiado jocoso para ellos", fueron mis primeras impresiones. En efecto, así era. Como su primer material, se puede justificar la inmadurez en sus letras y música. Incluso a la fecha, algunos de sus temas me siguen pareciendo demasiado pegajosos hasta rayar en los excesos. El sonido que resultó finalmente fueron algunas dosis de Reggae, un poco de New Wave y sobretodo Rock tradicional. Comparto la opinión de muchos al decir que su disco homónimo es por mucho su material más débil, incluso al integrar temas ya clásicos como Trátame Suavemente o Un Misil En Mi Placard.

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Kula Shaker - Peasants, Pigs & Airplanes (1999)

-this is the age of decay and hipocrisy-

Infinidad de bandas inundaron la escena musical bajo el sello del Brit Pop. La mayoría de ellas tuvieron un éxito menor desapareciendo con más pena que gloria, algunas otras lograron trascender a gran escala, mientras que unas pocas aportaron un sonido realmente innovador. Kula Shaker se asemeja más a este último grupo. Todo comienza cuando su vocalista, Crispian Mills, regresa a Inglaterra de un viaje de mochilazo a la India. Adopta nuevos sonidos y los aplica al estilo típico del rock inglés. Es así como emerge una banda psicodélica con influencias hindúes. Para cuando este disco salió a la venta, Kula Shaker era ya una banda conocida en su lugar de origen. Desafortunadamente tuvo dos puntos en contra: Primero, una mala elección de sencillos (lo que les repercutió en ventas). Segundo, las críticas fueron muy negativas en comparación con su primer material. Al poco tiempo, la banda se separaría, aunque se volverían a juntar hasta el 2004 para la publicación de un nuevo álbum. Peasants, Pigs & Airplanes tal vez logre situarse en el lugar que se merece con el paso del tiempo.

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