MGMT - Congratulations (2010)

- you'll never be as good as the rolling stones -

Para aquellos que vivieron de los éxitos pasados de MGMT, Congratulations puede ser una experiencia retadora y desconcertante. A principios del año VanWyngarden anunció que su nueva producción no tendría mucho que ver con las ultra-globalizadas Time to Pretend o Kids. La declaración fue más bien decepcionante, tomando en cuenta que lo mejor de Oracular Spectacular eran sus himnos pop precisamente. No tuve otra opción que sumarme a una manada escéptica pero dispuesta a confirmar que el primer álbum fue un golpe de suerte, un chiripazo, una ocurrencia. Justo en el momento en que MGMT nos llevaba de la oreja por una dirección, se ponen sus moños y nos conducen ahora por el camino opuesto. En algún punto Congratulations olvidó las fórmulas que tanto le funcionaron a su predecesor. Con muchísimas drogas encima, el resultado es una psicodelia anticlimática: Canciones en las que suceden muchísimas cosas pero que no llegan a nada en concreto. Esta es la nueva apuesta de MGMT. Si antes se autoproclamaban los héroes post-modernos, ahora se conforman con ser los extras en una trama que los supera. De esta manera, Congratulations es un merecido tributo a todas aquellas figuras que han contribuido en su música.
Con una devoción casi ingenua MGMT narra las enseñazas del maestro Brian Eno en un punk tétrico-angustioso: "When I was stuck he'd make me memorize elaborate curses". Song for Dan Treacy es a su vez una oda al vocalista de Television Personalities. Aquí hay mucho Supergrass y aún más The Libertines. Por su parte, It's Working abre el disco sin introducciones, dejando en claro que el resto de las cacnciones estarán más basadas en la guitarra que antes. Sin embargo, lo que al principio parece ser una típica canción de los Pixies, evoluciona hasta convertirse en un viaje místico revelador: "Love is only in your mind and not in your heart". Desafortunadamente, desde su primera canción MGMT se somete a una rutina. Empiezan la mayoría de sus canciones con cuerpo de rockero y terminan por vender su alma al sintetizador. A lo largo de la ambiciosa Siberian Breaks se puede apreciar la transformación con facilidad. En doce minutos atraviesan The Byrds, The Beach Boys, Pink Floyd con Syd Barret a la cabeza, la última etapa de The Flaming Lips, David Bowie, The Rolling Stones y otra vez Pink Floyd pero ahora en su faceta más progresiva. Aún así, es posible encontrarse algunas excepciones a la tendencia. Como la instrumental e innecesaria Lady Dada's Nightmare o el polémico sencillo Flash Delirium, que aunque no ha sido del todo bien recibido por los fans, es la pieza que más evoca los días de Oracular Spectacular. Es tan rebuscada y enigmática que es digna de codearse con las clásicas de la psicodelia.
Si hacemos una debida retrospectiva se nota el trabajo en estos casi tres años. Y aunque es por mucho una obra más completa que Oracular Spectacular, su mayor problema es querer abarcar tantas experiencias en tan poco material. Me queda claro que el objetivo de Congratulations no es competir en las listas de popularidad ni vender miles de copias. El disco no da para eso. Involuntariamente MGMT compuso música para la posteridad. Una de esas producciones menospreciadas por sus contemporáneos que serán redescubiertas por futuras generaciones y que ciertamente no serán las canciones más recordadas de esta banda de Brooklyn, al menos, por hoy.

Del espíritu indie y el regreso del sintetizador VI

Passion Pit - Manners (2009)

- everything's easy when you never have to choose -

Caer rendido nunca había sido tan fácil hasta que escuché Manners de Passion Pit. Hasta la fecha no puedo evitar emocionarme como quinceañera frente a su artista del momento una vez que el disco ha comenzado. Yo mismo estoy sorprendido. Desconozco que tanto tenga que ver el hype del momento, donde se apuesta por un paradigmático pop, desenfadado e inconsecuente. Tal vez sea mera casualidad y Manners me encontró en un momento vulnerable de mi vida, lo cual me pondría en una situación bastante desventajosa. O podemos aceptarlo sin rodeos. Los muchachos de Passion Pit fabricaron una bomba musical con un altísimo replay value. A diferencia de otros ejemplares en el género que no logran concretar un disco por completo (sí, me refiero a Walking on a Dream de Empire of the Sun o al primer disco de MGMT) Manners sobresale porque invierte la situación. Los defectos de aquellos son aprovechados aquí (sin necesariamente convertirse en virtudes) de manera un tanto extremista. Lo digo de una vez: Todas y cada una de las once pistas son singles en potencia. Y aunque es difícil competir ante un monstruo como Little Secrets, el terreno está trazado para que el resto de los temas sean un éxito en lo que dura un verano. Curiosamente esta redondez está fuertemente sustentada por una ausencia de espontaneidad. Sin ser del todo una obra predecible, Manners es fiel a su concepto desde las primeras notas de Make Light. Quizá sea una posición muy cómoda, pero al hacerlo se gana en seguridad y coherencia. Aún así, momentos como la transformación de Folds in Your Hands en una agresiva odisea electrónica, la aparición del riff característico en la irresistiblemente pegajosa Sleepyhead y los metales que acompañan el grito de "Me, I cried out God, you dared me in the dark" en To Kingdome Come se agradecen eternamente. Además, se prescindió de esos momentos embarazosos en que el artista rellena los huecos creativos con supuestas inspiraciones experimentales que generalmente terminan por ser unos churros flagrantes. Después, entre toda la fiesta llena de júbilo que representa Manners es posible encontrarse momentos sosegados e introspectivos. Swimming in the Flood narra a un ritmo semi lento la aventura de dejarlo todo y empezar de nuevo. O la triste y hermosísima Moth's Wings que a su vez pregunta "Whose side are you on? What side is this anyway?" Con una voz a veces chiqueada pero sobre todo quejumbrosa (similar a la de Reggie Youngblood de Black Kids) Michael Angelakos se esforzó por componer una métrica justa para ser cantada con orgullo. La única razón por las que sus casi chillidos no llegan al hartazgo (a diferencia de la de Youngblood) se debe a que inteligentemente se ensambló todo para descentralizar la figura del vocalista. Ya sea por la base electro en que reposa The Reeling o por lo atmosférico que puede resultar Seaweed Song, realmente la culpa es de Jeff Apruzzese, quien con su sintetizador derrama ácido en todas las piezas. Piezas que al final corroen inevitablemente. Total, que se me caiga la piel.

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De la experiencia y el dios de las seis cuerdas III

The Jimi Hendrix Experience - Axis: Bold as Love (1967)
- and so castles made of sand fall in the sea, eventually -

Tom hizo su elección como sólo un neófito sabe hacerlo: por la portada. Tomó dos de los discos con diseños más raros y llamativos de la menguada colección de su padre. El primero, una banda francesa cuyo nombre no podía pronunciar, mostraba lo que al parecer eran siluetas de personas borrosas. Lástima, el vinilo estaba totalmente rayado. Lo cambió. Su segunda elección se basó en una curiosa ilustración con motivos hindúes. Las múltiples cabezas de un solo ser lo hipnotizaban y le ordenaban reproducirlo. Lo puso a girar inmediatamente. Al principio, Tom se sintió confundido, indefenso y amenazado. Era muy parecido a lo que le pasa a la gente cuando ve a Fellini por primera vez. El efecto podía ser irreversible. Sin embargo, Tom no se dejó vencer tan fácilmente. Se concentró al máximo y fijó su atención en todos aquellos nuevos sonidos.
A pesar de que el nombre Jimi Hendrix le sonaba familiar, su música era aún ajena a sus inexpertos oídos. Lo que más le inquietaba era la ausencia de coros. Acostumbrado a bandas noventeras, Tom no podía concebir la música sin ellos, así que buscó un pretexto para justificar la medida: La voz del vocalista no estaba hecha para cantar, pensó él, estaba hecha para relatar historias. Era una auténtica voz de cuenta cuentos. Le emocionaba la idea de que alguien pudiera hablar de un jefe indio y al mismo tiempo tocar la guitarra tan naturalmente que pareciera que fuera parte de una convención. Y aunque dominaba perfectamente el inglés, sentía que el significado de las letras se le escapaba de la mente. ¿Cómo interpretar I just wanna know about the rooms behind your minds? ¿Qué le podía decir esto a un puberto de 14 años? Aún así, se sintió bien. Por alguna razón sabía que no estaba perdiendo su tiempo en una grabación vieja y olvidada. Al contrario, se sentía un arqueólogo que descubría las ruinas antes adoradas por civilizaciones antiguas.
Hubo una canción que permaneció en la mente de Tom por más tiempo que las demás. Cuando se terminaba, tomaba el brazo del tocadiscos y lo regresaba a donde comenzaba la pista. Repitió la acción más de cinco veces. Escucharla tanto la merecía acreedora de saber su nombre. "Little Wing", decía la parte trasera de la caja. Así que Little Wing se convirtió en el tema de la semana. En apariencia más sencilla, llegaba más hondo que cualquier otra canción del disco. Cuando la escuchaba no podía evitar pensar en alguna canción de Use Your Illusion de los Guns n' Roses, quizá, por ser sus contemporáneos. A estas alturas lo que el disco le brindaba a Tom no eran verdades y afirmaciones, sino un mar de duda e incertidumbre que lo hacían cuestionarse las cosas. ¿Cómo es que las guitarras van al revés? ¿De dónde sacan tanta fuerza? ¿Porqué demonios no cantó Jimi todas las canciones? ¿Bold as Love? Cuando el disco terminó, Tom se sentía ofuscado. Demasiada energía, tal vez. Después de pensarlo, se puso triste. Nunca más iba a escuchar este disco por primera vez.

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De la experiencia y el dios de las seis cuerdas II

The Jimi Hendrix Experience - Are You Experienced? (1967) [Edición EUA]
- excuse me while i kiss the sky -

Are You Experienced? no es una simple pregunta. Muy sutilmente implica un reto, un desafío. Es también una advertencia: te diriges hacia lo desconocido, y con esto, rápidamente se inicia un diálogo entre el escucha y la alteridad, Hendrix es solamente un mediador más. Por si fuera poco, el título cobra otro significado después de haber escuchado el disco, ¿quieres más?
Are You Experienced? es como un viaje incómodo patrocinado por el LSD con muy pocos espacios para la serenidad. La propuesta musical lleva a las sensaciones a lo más alto. Cuando finalmente logra haber un momento de tranquilidad, digamos, This May Be Love, es sólo para sumergirse en una hipnosis profunda. La voz de Hendrix (que nunca se decide entre cantar, hablar y gritar) lanza frases incomprensibles como "I can see my rainbow calling me yeah". Así, de esta manera Hendrix hace de Are You Experienced? una especie de poemario, a veces tan alucinante que es difícil verlo en panorámico; es preferible si se le desglosa. Pensamientos alienígenas sobre la naturaleza humana en Third Stone from the Sun. La locura y el desorden de Purple Haze: Is it tomorrow, or just the end of time? pregunta Hendrix. Love or Confusion, el trillado tema de amor hecho con frases que nada tienen de prefabricadas: My heart burns with feeling, but my mind, it's cold and reeling. Una afrenta directa a las baladas románticas, y es que en lugar de sonar sobrios y limpios, la banda optó por los altos decibles y la ejecución cruda.
Dentro de la misma línea, Hendrix, consciente de lo que la mujer significaba para él, reservó un lugar especial para ella. Aunque lo expresaba de maneras muy particulares, él estaba completamente enamorado de la feminidad. Ya sea la mujer asesinada en la legendaria historia de Hey Joe, como objeto de deseo en Foxey Lady. E incluso en Fire, donde el despecho de un hombre por una mujer lo conduce al valle de la amargura. Al final, es ella quien altera los sentidos de la realidad, cual droga, un misterio al que Hendrix se atrevió a enfrentar. Sólo él sabe si tuvo éxito. Por su parte, el desenlace del disco también juega con lo enigmático. La canción que bautizó al álbum es un mantra que engloba las ideas de todo Are You Experienced? De alguna manera ayuda a asimilar y orientar su contenido. Después, el fuego interno que lo mantiene con vida y en movimiento lo consume casi al instante. Las cenizas son llevadas por el viento sin destino aparente, de forma muy parecida a la incertidumbre que Hendrix expresaba: "will i live tomorrow? well, i just can't say, but i know for sure i don't live today".

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador V

Ratatat - Ratatat (2004)

El dueto Ratatat adquiere la personalidad de un robot, a veces un tanto trepidante y otras simplemente se limita a recrear ambientes. Evan Mast y Mike Stroud provienen de Estados Unidos. Su proyecto se materializó bajo el sello independiente XL Recordings. En esta primera producción homónima, Ratatat trabaja con piezas separadas. Textura electro, estructura rock, rítmica Hip-Hop. Si bien, debido a su pureza instrumental, nunca llega a inclinarse por un género en particular. Técnicamente el sonido es limpio, dejando en claro una democracia entre sus instrumentos. El sintetizador colabora con la introspección del disco. Por su parte, la guitarra sin ser virtuosa, entra y sale de manera precisa. Así, se logra una sólida mancuerna, lo cual me remite a la sencillez de producción. Son contados los elementos extras que destacan, con excepción del bajo y samples de voz entre algunas pistas que a mi parecer son innecesarias.

Al arranque, el álbum se presenta como una electrizante propuesta. Los dos primeros temas parecen estar diseñados para un Tetris moderno. Sin embargo, progresivamente los sonidos se dosifican hasta llegar a los niveles etéreos de Everest o Bustelo. Partiendo de esto, la obra se impregna de un aire taciturno y meditativo, con algunas notables insurrecciones. La canción Crips con clara influencia Daft Punk y un bajo hipnótico durante el puente. O Germany to Germany, un himno de guerra electrónico y una de mis favoritas. Lo triste es que me da la impresión que más de una canción son meros rellenos. Por ejemplo, Cherry, canción de cierre (y antiguo nombre de la banda), con un inicio a la The Postal Service deprimido, llega a cansar por su reiterativo sonido.
Así queda la situación. Con un mínimo de distractores, Ratatat dirige al escucha hacia el corazón de su música, la simbiosis guitarra-sintetizador. Ambos cooperando, en ningún momento se percibe una tensión. Eso sí, hay un constante jaloneo entre las formas más serenas y más provocativas que puede dejar inconforme a más de uno. Pero como sea, es un inicio prometedor.

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador IV

MGMT - Oracular Spectacular (2008)
- this is our decision to live fast and die young -

Dos mil ocho fue año de MGMT. Dos chavos estadounidenses presentaron su proyecto que antes había llevado el nombre de The Managment. Una propuesta simple y eficaz que apela a la desinhibición y desenfado de la juventud. Ingredientes que hoy día están dentro de lo cool y de pasada generan entradas millonarias a las disqueras.

Propongo a MGMT como uno de los máximos exponentes de este regreso del sintetizador. Juegan con él con bastante naturalidad, creando pegajosas estructuras, porque eso sí, esta banda (a diferencia de las dos anteriores) apuesta por el sintetizador como su núcleo y motor a lo largo y ancho de su Oracular Spectacular. Los sencillos elegidos, dan muestra de una enorme capacidad en la creación de himnos pop. Time to Pretend introduce al disco con una proyección de una vida inconsecuente, pero no a manera de sátira, sino con un cinismo exacerbado, en el fondo ellos saben que lo quieren. Electric Feel es un viaje sensorial que cuenta la historia de una mujer sobrenatural bajo música disco. Por su parte Kids, es un claro ejemplo de como con la simplicidad (y un poderoso beat) se pueden hacer cosas grandes. Posiblemente su canción más emblemática. Electro-pop puro.
Ahora, esto es lo que respecta a los sencillos. Canciones pegajosas, bailables y listas para ser cantadas a todo pulmón durante los coros. Sin embargo, es extraño ver como el resto del disco se desenvuelve en una dinámica diferente. Aunque es improbable que un disco mantenga el mismo nivel de intensidad que promueven sus cortes de difusión, yo esperaba encontrar algo diferente. Sorpresivamente me topé con un disco plagado de alusiones bastante interesantes. Por ejemplo, en Weekend Wars, Andrew VanWyngarden trata de emular la voz de Mick Jagger, o al menos suena muy parecida. La canción entera es una versión actualizada de la etapa clásica de The Rolling Stones con un bajeo a la Echoes de Pink Floyd. Los últimos minutos de Of Moons, Birds & Monsters, antecedido por un solo de guitarra de aquella época, traen a la mente el ritmo vocal de algunas canciones de Bowie. En algunas referencias más actuales, en The Handshake se escucha un recurrente chiflido como lo llegaron hacer los XTC a principios de los 80's.
Al final, me quedo con esto: Oracular Spectacular toma sus cartas más fuertes y las explota al máximo. Inesperadamente el resto de las canciones no llegan a embonar del todo. Tienen su propia lógica, lo cual ocasiona que el disco se parta en dos. Una más identificable y fiestera. La otra más contenida, sin embargo, es la que hace de Oracular Spectacular una experiencia más matizada. Ahora queda saber que rostro prevalecerá para el siguiente disco.

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador III

!!! - !!! (2001)
- and if there's pigs say hi -

Sí, !!! es de los nombres más raros que haya encontrado en una banda. Aún más rara es su pronunciación. Generalmente se toma chk chk chk como la más común, sin embargo también se acepta cualquier otra forma monosilábica, a decir, pow pow pow, ram ram ram, etc. Me habían pedido algo de ellos. Me tardé un poco pues no había podido posicionarlos en un tema. En fin, aquí se los dejo, directos de los agrestes escenarios californianos.

Por múltiples razones !!! es un disco que me intriga. Hay muchísimo que decir. En su inusual sonido confluyen la oscuridad del post-punk y un virtuosismo funky. No me atrevo a decir que el resultado esté dentro de lo dance, sin embargo, en algún punto y de alguna manera logra filtrarse discretamente en estos terrenos. A esto puedo aportar otros argumentos. Al contrario de lo que suelo relacionar con lo dance, el álbum irradia sobriedad, incluso llega a contenerse a si mismo. La pista KooKooKa Fuk-U trata precisamente de eso, cuando parece que va a despegar, regresa a poner los pies sobre la tierra. En otras que sí llegan a ese estado, como la incansable Intensify, lo relaciono no tanto con lo dance, más bien con una actitud punk que está muy bien arraigada en la banda. Aún así, la canción de cierre Feel Good Hit of the Fall puede caber perfectamente dentro los límites. Inevitable no bailar.
La voz y las letras se rigen por lógicas poco convencionales. En realidad, la voz es un añadido más a la música (al contrario de los que priorizan la voz sobre la música). Nic Offer canta como si quisiera pasar desapercibido entre la música. Aun cuando canta, me da la sensación de que estoy oyendo a un grupo meramente instrumental. El resultado me gusta, es coherente con la propuesta de la banda. Y bueno, la letra. En general es simple y con frases contundentes como "if you're looking for a friend you can go fuck yourself". Además, otro elemento que resalta es la ausencia de coros. Ninguna de las siete canciones se presta a ser coreada por el público.
A pesar de que el tema en cuestión es el sintetizador, !!! no lo utiliza como elemento principal, sino como invitado especial a lo largo del álbum, con la excepción de There's no Fucking Rules, Dude, la cual está completamente revestida de sonidos sintéticos. Siguiendo en la misma línea, los metales también hacen sus apariciones fugaces, inundando al oído con cierta oscuridad. Para mí, uno de los mejores aciertos del disco.
Las canciones están estructuradas en numerosos loops. Suena aburrido, pero lo interesante ocurre cuando la banda cambia el giro de la canción inesperadamente. De dulce a agrio, de agrio a amargo, de amargo a salado y de salado a ácido.
Veamos el panorama general: Sonido poco comercial, canciones muy largas, un nombre impronunciable y si a esto le sumo la ausencia de sencillos, huele a suicidio descarado. Para mí la idea dista mucho de ser mala, simplemente es arriesgada. La conexión entre cuerpo y música es digna de mención. Su mayor amenaza es la falta de un rostro que represente al álbum. ¿El mismo nombre de la banda influirá en esto? ¡¡¡ Espero que no !!!

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De los tardíos noventa y sus obras maestras V

Neutral Milk Hotel - In the Aeroplane Over the Sea (1998)
- semen stains the mountain tops-

Neutral Milk Hotel sufrió una conocida tragedia: Graban con un sello independiente, editan un par de discos, son ignorados por el público, tibias críticas, no hay ventas, se separan. Posteriormente son redescubiertos por algún curioso anacrónico, la crítica los promueve, la disquera (que generalmente termina siendo comprada por un sello corporativo) saca ganancias de los disco y se les considera de culto. Claro que la escala del proceso varía en cada caso, pero así sucede.
Puede ser que Neutral Milk Hotel haya surgido en el tiempo equivocado, o al revés, que la audiencia no haya sido la correcta. Aún así, el legado de la banda ha perdurado, es objeto de referencia y sobre todo, su música se ha mantenido fresca. Jeff Mangum (vocalista, guitarrista y compositor) hizo un soberbio trabajo con el grupo.
In the Aeroplane Over the Sea concluye la trayectoria de la banda. El disco funciona con once pistas, las cuales cuatro o cinco son recibidas por el oído al instante. El resto se tiene que enfrentar a un oído más caprichoso. A pesar de esto, el álbum presenta uniformidad y procura mantener la expectación con letras y situaciones surreales. "Now she's a little boy in Spain, playing pianos filled with flames" dice Holland 1945, uno de los momentos climáticos envuelto en un tornado musical. Justo en seguida, aparece Communist Daughter, una bellísima balada que tristemente no llega a los dos minutos. La transición entre ambas canciones resulta en un asombroso contraste. De esta forma fue como Jeff se encargó de matizar la obra. Unos chispazos de Folk al inicio y al final. La impronta Lo-Fi al centro. La psicodelia como elemento transversal. No quiero sonar redundante, pero esto último es importante pues conforma el eje del disco. La relación que se genera entre la magia, imaginería y la banda es notable. Una simple guitarra y la no pulida voz de Mangum es suficiente para recrear sus fantasías en Two-Headed Boy. A esto, se suman la calidad del resto de los músicos que integran a Neutral Milk Hotel. Ellos fusionan el sonido de sus instrumentos con la experimentación y su esfuerzo se nota aún más en las únicas dos canciones instrumentales del disco, una canción sin nombre y The Fool, que rememora los momentos más oscuros de Piper at the Gates of Dawn. Aunque la mayoría son piezas de corta duración, Oh Comely rompe la relga y se extiende hasta los ocho minutos. Para mí, uno de los pocos puntos negativos de In the Aeroplane Over the Sea. ¿La razón? Es muy larga y rompe el trepidante ritmo que había alcanzado el disco. Afortunadamente le alcanza el tiempo para recuperarse y ofrecer un desenlace de altura.
No pienso extenderme más. Quiero terminar diciendo que In the Aeroplane Over the Sea es un disco orgulloso de su rareza. No titubea en aceptarlo y hace gala de canciones sencillas en manos de mentes complejas. Doy una cosa por hecho, todo lo que sale de este disco, bien podría ser el retorcido soundtrack que escucha Alicia mientras camina por el país de las maravillas.

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Bill Haley and the Comets - Shake Rattle and Roll (1955)

-six and seven, we'll be right in seventh heaven-

Me remonto ahora a la ya lejana época anterior al rock. En ese entonces se estaba produciendo una mezcla entre el R&B y el blues que desenvocaría en el Rock 'n' Roll. Creo que está de más decir que la gran mayoría de estos pioneros eran de raza negra, pues si reflexionamos nos daremos cuenta que ellos marcaron la pauta de la música durante casi todo el siglo XX. Sin embargo, Bill Haley y sus Cometas (como se le conoció en México) eran todos de raza blanca. Sin más, se unieron para colaborar en este nuevo género prometedor y de características altamente rentables. Ahora bien, ellos todavía permanecieron a esa generación que no escribía su propio material y se deleitaba en el manejo de covers (muchos de ellos para la posteridad).

Infinidad de recopilaciones se han hecho en torno a esta mítica banda, aunque esta vez dejo a su disposición su primer LP, disco representativo de la época y que porta orgullosamente la primer canción de Rock 'n' Roll en llegar a las listas de popularidad y ventas: (We're Gonna) Rock Around the Clock. En conjunto, Shake, Rattle & Roll evoca a la perfección los días de gloria de la inocencia musical. Tal vez Bill Haley nunca pudo superar su propio éxito con aquella canción, pero aseguró su lugar como piedra fundamental del Rock 'n' Roll e incluso del Rock. De manera contradictoria, la actual presencia de Bill Haley no goza de la popularidad que ostentan figuras como Chuck Berry o Buddy Holly.

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Nina Simone - I Put a Spell on You (1965)

-sleep in peace when day is done that's what i mean-

El tiempo sigue su marcha y Simone permanece como una de las personalidades más fuertes del jazz. A casi seis años de su muerte, comienza a formarse la leyenda de una mujer afroamericana que podía cantar como nadie nunca lo ha hecho gracias a una tesitura excepcional. Su legado es grande, y durante ese tiempo pudo desarrollar un temperamento fuerte e indomable. Consecuentemente, su figura se extendió hasta la defensa de los derechos de los afroamericanos.
I Put a Spell on You está conformado por doce temas, ninguno escrito por Simone. Sin embargo, esto no le quita puntos al disco, y es que cuando se trata de Simone, la música funge como mero pretexto. Todo lo que rodea a la voz es eclipsado en instantes.
Vuelvo al disco. Un pequeño pero sustancioso recorrido por el Blues, Soul, R&B y Rock n' Roll envuelto en una caja de Jazz para llevar. Además, se concibieron varias de las canciones más conocidas de la artista, de las cuales, Feeling Good (una de las canciones con más covers en la historia) destaca por un manejo de voz inigualable. Te atrapa.
El cierre. Con todo, Simone triunfó a pesar de tener dos elementos en contra dentro de una sociedad altamente represiva: ser negra y ser mujer. Grande Nina, grande.

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R.E.M. - Chronic Town (1982) [EP]

-gentlemen don't get caught-

El panorama musical de aquella década era muy cerrado. El New Wave parecía una fuerza implacable que devoraba todo a su paso. Por otra parte, el Metal se encontraba en su segundo aire. Salir del underground era casi imposible, es más, algo que no se contemplaba. Sin embargo, algunas bandas lograron colarse a planos mayores y rodearse de una mayor audiencia. R.E.M. probablemente se trate del mejor ejemplo. A pesar de su situación actual, Michael Stipe, Peter Buck, Mike Mills y Bill Berry nacen como una banda completamente independiente. Chronic Town se trata de su primer material oficial, un EP con cinco canciones. Cinco canciones que les dieron credibilidad para la creación de su primer LP. La banda evocaba el sonido Post-Punk, aunque no de forma tradicional, ya que un sonido alegre se contraponía a letras oscuras y tenebrosas. La peculiaridad de la voz de Stipe fue otro de los incentivos. Música sin sintetizadores. Música sin solos de guitarras. Música sin pretensiones. En fin, R.E.M. figura como uno de los grupos más importantes de los 80's y principios de los 90's. Chronic Town es una excelente presentación de la banda, aunque es una lástima que este sonido lo conservaron solamente durante sus primeros discos.

Por cierto, una de las bandas consentidas de Kurt Cobain.
Otro por cierto. Conseguir una copia en CD de Chronic Town es imposible.

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Cat Power - Moon Pix (1998)

-when no one is around love will always love you-

Tomando en cuenta la próxima presentación de Cat Power en la ciudad me apresuré a subir este material. Primero que nada tengo que decir que Moon Pix es el único disco que he escuchado de ella hasta la fecha y es una pena, ya que cuenta con una amplia gama discográfica. Chan Marshall (nombre real de la artista), posee dos elementos distintivos. A) Un sonido sobrio y triste. B) Una voz misteriosa casi en susurro. El disco en cuestión muestra a una Cat Power oscura, reflexiva y minimalista. Como si de alguna manera nos quisiera enseñar sólo una parte de su potencial. Aunque las composiciones distan mucho de ser complejas, se alcanzan a percibir destellos de ambición que tratan de crear un disco profundo. A pesar de todo lo logra, y en ocasiones es tan profundo que se convierte en música nada fácil de seguir. Mis primeras impresiones del disco fueron un tanto pesimistas debido a un sonido muy lento y elementos repetitivos. No obstante, Moon Pix es de esos pequeños discos que crecen con el tiempo hasta convertirse en grandes experiencias. Letras muy bien pensadas y herméticas que dejan numerosas interpretaciones. Un sonido que no encaja del todo en el ámbito comercial. Una voz contenida que habla en frases enigmáticas cargadas de emociones. Todo esto proveniente de una sola mujer.

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The B-52's - The B-52's (1979)

-here comes a bikini whale-

La historia puede ser un poco cruel con algunas bandas.

The B-52's fueron pioneros en su género. Lograron una fusión entre el new wave, el pop, la psicodelia y el surf. Poseedores de un par de voces extravagantes. Ingeniosos. Creativos. Versátiles. Locos. Sin embargo, todo aquello no sirvió para evitar perderse en las arenas del tiempo y es que hoy en día son pocas las personas que recuerdan su música, salvo por algunas pistas, en cuyo caso, el nombre de la banda es eclipsado por el de la canción. Son pocas las bandas que logran un balance entre la creatividad y el dominio musical. Los B-52's lo hicieron y agregaron un elemento más: la insania. Uno de sus puntos más interesantes es como se van alternando las tres voces, parece una conversación que nunca acaba. Letras realmente incoherentes que evocan la espontaneidad. Sería imprudente decir que todo el disco es un reflejo de lo que es Rock Lobster. Nada más erróneo que eso. Esa canción es solamente uno de los lados de la banda. Francamente cuando escuché el disco por primera vez resultó en decepción. Quiero decir, esperaba que todo fuera una canción épica de las dimensiones de Rock Lobster. Es en ese aspecto donde quizá falle más el disco. Hay que darle muchas oportunidades para redimirse y ver más allá de lo evidente. Así encontraremos joyas del calibre como 52 Girls, 6060-842 o Hero Worship. Un disco que captura el espíritu de la época. Nada minimalista, nada reservado.

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Guns N' Roses - G N' R Lies (1988)

-you know i don't like being stuck in the crowd-

El segundo disco es los Guns N' Roses es un tanto extraño. La mitad de sus canciones son versiones en vivo previamente lanzadas. La segunda mitad está conformada por canción acústicas excelentemente trabajadas. Además, entre todo esto se encuentran un par de covers. Appetite for Destruction fue una odisea insaciable sin descanso. En ese sentido, la primera parte de G N' R Lies no ofrece nada nuevo, y por lo tanto, hace de la segunda mitad mucho más atractiva. En ella se explora un territorio ajeno a la banda y que se conformaría mejor en Use Your Illusion con las ya clásicas power ballads. Por otro lado, una vez más la voz del señor Axl Rose, se confirma como una de las mejores en el género, siendo él mismo presa de la controversia por haber incluido letras aparentemente homofóbicas y racistas en One In A Million.

Nunca he podido ver este material como un LP en su totalidad, tal vez debido a su media hora de duración o incluso por su curiosa producción. El punto, sin embargo, es como G N' R Lies es un punto y aparte en su discografía: muy light para estar cerca de Appetite for Destruction y demasiado sencillo para estar entre el complejo Use Your Illusion.
Finalmente, detrás de todo lo que se diga de ellos (su pereza, su prepotencia, su poca visión), la genialidad está implícita.

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The National - Alligator (2005)

-i wish that i believed in fate, i wish i didn't sleep so late-

Este es el disco que he estado escuchando como loco desde la semana pasada. Comencé a escuchar a esta banda estadounidense por recomendación de un amigo. Oí un par de veces el disco, lo boté, pero no fue sino hasta hace poco que lo re-escuché a conciencia y tengo que decir que me atrapó. Francamente es el único disco que he escuchado de ellos (son 4 en total), lo que me ha dejado con ganas de escuchar el resto de su discografía. Matices oscuros y deprimentes aunque limpios, hacen de esta banda un ritual melancólico. Letras bien elaboradas cantadas por una voz que inevitablemente me remite a la de Ian Curtis. Si bien, generalmente se les pone ligados al movimiento indie, The National toman sus principales influencias de bandas como Joy Division y Echo and the Bunnymen.

En fin, un disco que realmente he disfrutado de principio a fin. De acuerdo, no es un sonido que no haya escuchado antes, es cierto, pero vaya que esta banda transmiten sentimientos, y eso, es algo que no se escucha todos los días.

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