Pulp - Different Class (1995)

- she came from greece, she had a thirst for knowledge -

Different Class es la culminación de un golpe de Estado planeado por años. Jarvis, ufano de su victoria, le escupe a sus rivales: En ese momento se sabe más listo que todos ellos. A partir de ahora entra en vigor su ley, impuesta por un bandido resentido más que por un paladín justiciero. Uno de sus grandes logros es haberse colado durante los años más agresivos del brit-pop, lo cual le da al disco un aire casi marginal. Y cuando Jarvis dice "we're coming out of the sidelines" lo dice en serio. Mis-Shapes es un ataque inesperado (no desesperado) proveniente de las periferias, aquellos lugares que los poderosos descuidaron por tanto tiempo: "We'd like to go to town but we can't risk it, cus they just want to keep us out". Cada frase es letal, proferida con el regocijo de los menospreciados: "And every night I hone my plan, how I will get my satisfaction, how I will blow your paradise away".
Dada su categoría outsider, Jarvis Cocker es capaz de desmenuzar la vida en fragmentos pequeñísimos. Diffrent Class opta más por los momentos dejando a un lado las generalidades. Cocker relata anécdotas con un mensaje en específico, y a veces con una displicencia ingeniosa. Por ello, no es sorprendente escucharlo decir "I don't know why but I had to start it somewhere... so I started, there". Una gran virtud es transformar situaciones apartentemente triviales en historias dignas de contar. Una cama en Live Bed Show es eje central de un relato sobre relaciones sexuales: "This bed had seen it all, from the first time to the last".
Por cierto, el libido de Cocker anda suelto y viene con todo. Cuidado ahí. Acto 1: Jarvis le dice a su amante "I really love it when you tell me to stop". Acto 2: Jarvis piensa para sí: "You were the first girl at school to get breasts". Acto 3: Jarvis le dice al esposo de su amante: "I've been sleeping with your wife for the past sixteen weeks". Todo esto como parte de una misma venganza.
Pero al mismo tiempo el álbum se debate entre si ser o no ser brit-pop. Los ochenteros new-wave siguen presentes sobre todo en Common People y Disco 2000, que a pesar de ser descaradamente anacrónicas son sus temas más difundidos. El primero, es una típica historia de boy meets girl que adquiere proporciones épicas al mismo tiempo que reflexiona sobre la vida de la clase media. En la canción, el artista le explica a su musa "you will never understand how it feels to live your life with no meaning or control". A su vez, Disco 2000, se suma al trágico historial de amores frustrados. Cocker va intercalando situaciones cómicas para después rematar con un coro apabullante: "I never knew that you'd get married, I would be living down here on my own, on that damp and lonely thursday years ago".
Por otra parte, canciones como Underwear y Monday Morning cumplen más con los estándares de una época noventera en Inglaterra: Menos sintetizador, más peso en una guitarra sencilla-melódica, coros explosivos. Y sin olvidar sus orígenes, resaltan las entregas de tintes post-punk F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E. y la subversiva I Spy. En esta última, Jarvis se revela como una suerte de villano anónimo-trastornado que maquina con vehemencia: "It may look to the untrained eye, I'm sitting on my arse all day, I'm biding time until I take you all one". Mientras la ciudad duerme, el trabaja. El resultado final se acerca mucho a algo salido del Ocean Rain de Echo and the Bunnymen: Un lamento de gran producción.
Y si Jarvis llegara al cine, sería entonces el anti-héroe de una película de bajos recursos. Ahí exhibiría su parte más convulsionada, aquella que debraya en una rave en Hampshire según Sorted E's & Wizz o aquella otra que vive un fin de semana revolucionado tal cual Monday Morning: "Going out late from monday, chuck up in the street on sunday, you don't want to live till monday". Por fortuna, nuestro protagonista cuenta con un refugio en tiempos de crisis: "There's only one place we can go, it's around the corner in Soho, where other broken people go". En esta última canción, Bar Italia rememora por momentos a la conocida Everybody Hurts de R.E.M. Y con sus últimas palabras, Jarvis nos da a entender que es una persona común después de todo.
Sin intención alguna, Different Class se comporta como un álbum conceptual. Más llevado de la mano de un carismático compositor que de una cochesión musical entre los temas. En este sentido, el disco es huérfano. No representa a aningún movimiento en especial. Es ante todo una conquista individual, la confesión de un sujeto atormentado que no tiene nada que perder. Es rara la oportunidad de adentrarnos tan explícitamente en las rebuscadas mentes de los artistas. Con este disco Jarvis abrió un espacio. Pocos se pueden jactar de haber llegado al mainstream y seguirse cotizando entre los de culto. Sí, es la revancha de Jarvis.

MGMT - Congratulations (2010)

- you'll never be as good as the rolling stones -

Para aquellos que vivieron de los éxitos pasados de MGMT, Congratulations puede ser una experiencia retadora y desconcertante. A principios del año VanWyngarden anunció que su nueva producción no tendría mucho que ver con las ultra-globalizadas Time to Pretend o Kids. La declaración fue más bien decepcionante, tomando en cuenta que lo mejor de Oracular Spectacular eran sus himnos pop precisamente. No tuve otra opción que sumarme a una manada escéptica pero dispuesta a confirmar que el primer álbum fue un golpe de suerte, un chiripazo, una ocurrencia. Justo en el momento en que MGMT nos llevaba de la oreja por una dirección, se ponen sus moños y nos conducen ahora por el camino opuesto. En algún punto Congratulations olvidó las fórmulas que tanto le funcionaron a su predecesor. Con muchísimas drogas encima, el resultado es una psicodelia anticlimática: Canciones en las que suceden muchísimas cosas pero que no llegan a nada en concreto. Esta es la nueva apuesta de MGMT. Si antes se autoproclamaban los héroes post-modernos, ahora se conforman con ser los extras en una trama que los supera. De esta manera, Congratulations es un merecido tributo a todas aquellas figuras que han contribuido en su música.
Con una devoción casi ingenua MGMT narra las enseñazas del maestro Brian Eno en un punk tétrico-angustioso: "When I was stuck he'd make me memorize elaborate curses". Song for Dan Treacy es a su vez una oda al vocalista de Television Personalities. Aquí hay mucho Supergrass y aún más The Libertines. Por su parte, It's Working abre el disco sin introducciones, dejando en claro que el resto de las cacnciones estarán más basadas en la guitarra que antes. Sin embargo, lo que al principio parece ser una típica canción de los Pixies, evoluciona hasta convertirse en un viaje místico revelador: "Love is only in your mind and not in your heart". Desafortunadamente, desde su primera canción MGMT se somete a una rutina. Empiezan la mayoría de sus canciones con cuerpo de rockero y terminan por vender su alma al sintetizador. A lo largo de la ambiciosa Siberian Breaks se puede apreciar la transformación con facilidad. En doce minutos atraviesan The Byrds, The Beach Boys, Pink Floyd con Syd Barret a la cabeza, la última etapa de The Flaming Lips, David Bowie, The Rolling Stones y otra vez Pink Floyd pero ahora en su faceta más progresiva. Aún así, es posible encontrarse algunas excepciones a la tendencia. Como la instrumental e innecesaria Lady Dada's Nightmare o el polémico sencillo Flash Delirium, que aunque no ha sido del todo bien recibido por los fans, es la pieza que más evoca los días de Oracular Spectacular. Es tan rebuscada y enigmática que es digna de codearse con las clásicas de la psicodelia.
Si hacemos una debida retrospectiva se nota el trabajo en estos casi tres años. Y aunque es por mucho una obra más completa que Oracular Spectacular, su mayor problema es querer abarcar tantas experiencias en tan poco material. Me queda claro que el objetivo de Congratulations no es competir en las listas de popularidad ni vender miles de copias. El disco no da para eso. Involuntariamente MGMT compuso música para la posteridad. Una de esas producciones menospreciadas por sus contemporáneos que serán redescubiertas por futuras generaciones y que ciertamente no serán las canciones más recordadas de esta banda de Brooklyn, al menos, por hoy.

Del espíritu indie y el regreso del sintetizador VI

Passion Pit - Manners (2009)

- everything's easy when you never have to choose -

Caer rendido nunca había sido tan fácil hasta que escuché Manners de Passion Pit. Hasta la fecha no puedo evitar emocionarme como quinceañera frente a su artista del momento una vez que el disco ha comenzado. Yo mismo estoy sorprendido. Desconozco que tanto tenga que ver el hype del momento, donde se apuesta por un paradigmático pop, desenfadado e inconsecuente. Tal vez sea mera casualidad y Manners me encontró en un momento vulnerable de mi vida, lo cual me pondría en una situación bastante desventajosa. O podemos aceptarlo sin rodeos. Los muchachos de Passion Pit fabricaron una bomba musical con un altísimo replay value. A diferencia de otros ejemplares en el género que no logran concretar un disco por completo (sí, me refiero a Walking on a Dream de Empire of the Sun o al primer disco de MGMT) Manners sobresale porque invierte la situación. Los defectos de aquellos son aprovechados aquí (sin necesariamente convertirse en virtudes) de manera un tanto extremista. Lo digo de una vez: Todas y cada una de las once pistas son singles en potencia. Y aunque es difícil competir ante un monstruo como Little Secrets, el terreno está trazado para que el resto de los temas sean un éxito en lo que dura un verano. Curiosamente esta redondez está fuertemente sustentada por una ausencia de espontaneidad. Sin ser del todo una obra predecible, Manners es fiel a su concepto desde las primeras notas de Make Light. Quizá sea una posición muy cómoda, pero al hacerlo se gana en seguridad y coherencia. Aún así, momentos como la transformación de Folds in Your Hands en una agresiva odisea electrónica, la aparición del riff característico en la irresistiblemente pegajosa Sleepyhead y los metales que acompañan el grito de "Me, I cried out God, you dared me in the dark" en To Kingdome Come se agradecen eternamente. Además, se prescindió de esos momentos embarazosos en que el artista rellena los huecos creativos con supuestas inspiraciones experimentales que generalmente terminan por ser unos churros flagrantes. Después, entre toda la fiesta llena de júbilo que representa Manners es posible encontrarse momentos sosegados e introspectivos. Swimming in the Flood narra a un ritmo semi lento la aventura de dejarlo todo y empezar de nuevo. O la triste y hermosísima Moth's Wings que a su vez pregunta "Whose side are you on? What side is this anyway?" Con una voz a veces chiqueada pero sobre todo quejumbrosa (similar a la de Reggie Youngblood de Black Kids) Michael Angelakos se esforzó por componer una métrica justa para ser cantada con orgullo. La única razón por las que sus casi chillidos no llegan al hartazgo (a diferencia de la de Youngblood) se debe a que inteligentemente se ensambló todo para descentralizar la figura del vocalista. Ya sea por la base electro en que reposa The Reeling o por lo atmosférico que puede resultar Seaweed Song, realmente la culpa es de Jeff Apruzzese, quien con su sintetizador derrama ácido en todas las piezas. Piezas que al final corroen inevitablemente. Total, que se me caiga la piel.

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Bloody Hell

The Libertines - The Libertines (2004)
- still not dirty enough for you -

Habían preparado todo para que fueran las mejores vacaciones de su vida. Paul, Gavin, Terry y Mack estaban a 73 km de su primer destino. Hacía una semana que los cuatro amigos abandonaron sus barrios londinenses para adentrarse en el sur de México. Testimonios de otros camaradas les aseguraban mucho sexo y drogas al por mayor. Gavin manejaba con inseguirdad por carreteras mexicanas en un carro japonés rentado en las afueras del Distrito Federal. Amedrentado por el calor, Terry sólo podía pensar en una frase: "Bloody hell". Mack había procurado que el espíritu británico los acompañara durante toda la aventura. The Beatles, The Clash, The Stone Roses. Nada de The Doors y mucho menos nada de Nirvana. En el fondo se escuchaba a Pete Doherty poniéndole un dilema a una tal Katie "You're a sweet sweet girl but it's a cruel cruel world". Sin saberlo, el sonido garage y autodestructivo del disco se asemejaría mucho a lo que vivirían los cuatro amigos en las próximas semanas. Paul pasó a la canción número cinco. Cuando escuchaba ese disco siempre empezaba por esa canción. En un gesto de aprobación, todos alzaron su cerveza mexicana de lata y cantaron con acento inglés "I no longer hear the music". Sin duda, serían las mejores vacaciones de su vida.

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De la experiencia y el dios de las seis cuerdas III

The Jimi Hendrix Experience - Axis: Bold as Love (1967)
- and so castles made of sand fall in the sea, eventually -

Tom hizo su elección como sólo un neófito sabe hacerlo: por la portada. Tomó dos de los discos con diseños más raros y llamativos de la menguada colección de su padre. El primero, una banda francesa cuyo nombre no podía pronunciar, mostraba lo que al parecer eran siluetas de personas borrosas. Lástima, el vinilo estaba totalmente rayado. Lo cambió. Su segunda elección se basó en una curiosa ilustración con motivos hindúes. Las múltiples cabezas de un solo ser lo hipnotizaban y le ordenaban reproducirlo. Lo puso a girar inmediatamente. Al principio, Tom se sintió confundido, indefenso y amenazado. Era muy parecido a lo que le pasa a la gente cuando ve a Fellini por primera vez. El efecto podía ser irreversible. Sin embargo, Tom no se dejó vencer tan fácilmente. Se concentró al máximo y fijó su atención en todos aquellos nuevos sonidos.
A pesar de que el nombre Jimi Hendrix le sonaba familiar, su música era aún ajena a sus inexpertos oídos. Lo que más le inquietaba era la ausencia de coros. Acostumbrado a bandas noventeras, Tom no podía concebir la música sin ellos, así que buscó un pretexto para justificar la medida: La voz del vocalista no estaba hecha para cantar, pensó él, estaba hecha para relatar historias. Era una auténtica voz de cuenta cuentos. Le emocionaba la idea de que alguien pudiera hablar de un jefe indio y al mismo tiempo tocar la guitarra tan naturalmente que pareciera que fuera parte de una convención. Y aunque dominaba perfectamente el inglés, sentía que el significado de las letras se le escapaba de la mente. ¿Cómo interpretar I just wanna know about the rooms behind your minds? ¿Qué le podía decir esto a un puberto de 14 años? Aún así, se sintió bien. Por alguna razón sabía que no estaba perdiendo su tiempo en una grabación vieja y olvidada. Al contrario, se sentía un arqueólogo que descubría las ruinas antes adoradas por civilizaciones antiguas.
Hubo una canción que permaneció en la mente de Tom por más tiempo que las demás. Cuando se terminaba, tomaba el brazo del tocadiscos y lo regresaba a donde comenzaba la pista. Repitió la acción más de cinco veces. Escucharla tanto la merecía acreedora de saber su nombre. "Little Wing", decía la parte trasera de la caja. Así que Little Wing se convirtió en el tema de la semana. En apariencia más sencilla, llegaba más hondo que cualquier otra canción del disco. Cuando la escuchaba no podía evitar pensar en alguna canción de Use Your Illusion de los Guns n' Roses, quizá, por ser sus contemporáneos. A estas alturas lo que el disco le brindaba a Tom no eran verdades y afirmaciones, sino un mar de duda e incertidumbre que lo hacían cuestionarse las cosas. ¿Cómo es que las guitarras van al revés? ¿De dónde sacan tanta fuerza? ¿Porqué demonios no cantó Jimi todas las canciones? ¿Bold as Love? Cuando el disco terminó, Tom se sentía ofuscado. Demasiada energía, tal vez. Después de pensarlo, se puso triste. Nunca más iba a escuchar este disco por primera vez.

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De la experiencia y el dios de las seis cuerdas II

The Jimi Hendrix Experience - Are You Experienced? (1967) [Edición EUA]
- excuse me while i kiss the sky -

Are You Experienced? no es una simple pregunta. Muy sutilmente implica un reto, un desafío. Es también una advertencia: te diriges hacia lo desconocido, y con esto, rápidamente se inicia un diálogo entre el escucha y la alteridad, Hendrix es solamente un mediador más. Por si fuera poco, el título cobra otro significado después de haber escuchado el disco, ¿quieres más?
Are You Experienced? es como un viaje incómodo patrocinado por el LSD con muy pocos espacios para la serenidad. La propuesta musical lleva a las sensaciones a lo más alto. Cuando finalmente logra haber un momento de tranquilidad, digamos, This May Be Love, es sólo para sumergirse en una hipnosis profunda. La voz de Hendrix (que nunca se decide entre cantar, hablar y gritar) lanza frases incomprensibles como "I can see my rainbow calling me yeah". Así, de esta manera Hendrix hace de Are You Experienced? una especie de poemario, a veces tan alucinante que es difícil verlo en panorámico; es preferible si se le desglosa. Pensamientos alienígenas sobre la naturaleza humana en Third Stone from the Sun. La locura y el desorden de Purple Haze: Is it tomorrow, or just the end of time? pregunta Hendrix. Love or Confusion, el trillado tema de amor hecho con frases que nada tienen de prefabricadas: My heart burns with feeling, but my mind, it's cold and reeling. Una afrenta directa a las baladas románticas, y es que en lugar de sonar sobrios y limpios, la banda optó por los altos decibles y la ejecución cruda.
Dentro de la misma línea, Hendrix, consciente de lo que la mujer significaba para él, reservó un lugar especial para ella. Aunque lo expresaba de maneras muy particulares, él estaba completamente enamorado de la feminidad. Ya sea la mujer asesinada en la legendaria historia de Hey Joe, como objeto de deseo en Foxey Lady. E incluso en Fire, donde el despecho de un hombre por una mujer lo conduce al valle de la amargura. Al final, es ella quien altera los sentidos de la realidad, cual droga, un misterio al que Hendrix se atrevió a enfrentar. Sólo él sabe si tuvo éxito. Por su parte, el desenlace del disco también juega con lo enigmático. La canción que bautizó al álbum es un mantra que engloba las ideas de todo Are You Experienced? De alguna manera ayuda a asimilar y orientar su contenido. Después, el fuego interno que lo mantiene con vida y en movimiento lo consume casi al instante. Las cenizas son llevadas por el viento sin destino aparente, de forma muy parecida a la incertidumbre que Hendrix expresaba: "will i live tomorrow? well, i just can't say, but i know for sure i don't live today".

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador IV

MGMT - Oracular Spectacular (2008)
- this is our decision to live fast and die young -

Dos mil ocho fue año de MGMT. Dos chavos estadounidenses presentaron su proyecto que antes había llevado el nombre de The Managment. Una propuesta simple y eficaz que apela a la desinhibición y desenfado de la juventud. Ingredientes que hoy día están dentro de lo cool y de pasada generan entradas millonarias a las disqueras.

Propongo a MGMT como uno de los máximos exponentes de este regreso del sintetizador. Juegan con él con bastante naturalidad, creando pegajosas estructuras, porque eso sí, esta banda (a diferencia de las dos anteriores) apuesta por el sintetizador como su núcleo y motor a lo largo y ancho de su Oracular Spectacular. Los sencillos elegidos, dan muestra de una enorme capacidad en la creación de himnos pop. Time to Pretend introduce al disco con una proyección de una vida inconsecuente, pero no a manera de sátira, sino con un cinismo exacerbado, en el fondo ellos saben que lo quieren. Electric Feel es un viaje sensorial que cuenta la historia de una mujer sobrenatural bajo música disco. Por su parte Kids, es un claro ejemplo de como con la simplicidad (y un poderoso beat) se pueden hacer cosas grandes. Posiblemente su canción más emblemática. Electro-pop puro.
Ahora, esto es lo que respecta a los sencillos. Canciones pegajosas, bailables y listas para ser cantadas a todo pulmón durante los coros. Sin embargo, es extraño ver como el resto del disco se desenvuelve en una dinámica diferente. Aunque es improbable que un disco mantenga el mismo nivel de intensidad que promueven sus cortes de difusión, yo esperaba encontrar algo diferente. Sorpresivamente me topé con un disco plagado de alusiones bastante interesantes. Por ejemplo, en Weekend Wars, Andrew VanWyngarden trata de emular la voz de Mick Jagger, o al menos suena muy parecida. La canción entera es una versión actualizada de la etapa clásica de The Rolling Stones con un bajeo a la Echoes de Pink Floyd. Los últimos minutos de Of Moons, Birds & Monsters, antecedido por un solo de guitarra de aquella época, traen a la mente el ritmo vocal de algunas canciones de Bowie. En algunas referencias más actuales, en The Handshake se escucha un recurrente chiflido como lo llegaron hacer los XTC a principios de los 80's.
Al final, me quedo con esto: Oracular Spectacular toma sus cartas más fuertes y las explota al máximo. Inesperadamente el resto de las canciones no llegan a embonar del todo. Tienen su propia lógica, lo cual ocasiona que el disco se parta en dos. Una más identificable y fiestera. La otra más contenida, sin embargo, es la que hace de Oracular Spectacular una experiencia más matizada. Ahora queda saber que rostro prevalecerá para el siguiente disco.

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador III

!!! - !!! (2001)
- and if there's pigs say hi -

Sí, !!! es de los nombres más raros que haya encontrado en una banda. Aún más rara es su pronunciación. Generalmente se toma chk chk chk como la más común, sin embargo también se acepta cualquier otra forma monosilábica, a decir, pow pow pow, ram ram ram, etc. Me habían pedido algo de ellos. Me tardé un poco pues no había podido posicionarlos en un tema. En fin, aquí se los dejo, directos de los agrestes escenarios californianos.

Por múltiples razones !!! es un disco que me intriga. Hay muchísimo que decir. En su inusual sonido confluyen la oscuridad del post-punk y un virtuosismo funky. No me atrevo a decir que el resultado esté dentro de lo dance, sin embargo, en algún punto y de alguna manera logra filtrarse discretamente en estos terrenos. A esto puedo aportar otros argumentos. Al contrario de lo que suelo relacionar con lo dance, el álbum irradia sobriedad, incluso llega a contenerse a si mismo. La pista KooKooKa Fuk-U trata precisamente de eso, cuando parece que va a despegar, regresa a poner los pies sobre la tierra. En otras que sí llegan a ese estado, como la incansable Intensify, lo relaciono no tanto con lo dance, más bien con una actitud punk que está muy bien arraigada en la banda. Aún así, la canción de cierre Feel Good Hit of the Fall puede caber perfectamente dentro los límites. Inevitable no bailar.
La voz y las letras se rigen por lógicas poco convencionales. En realidad, la voz es un añadido más a la música (al contrario de los que priorizan la voz sobre la música). Nic Offer canta como si quisiera pasar desapercibido entre la música. Aun cuando canta, me da la sensación de que estoy oyendo a un grupo meramente instrumental. El resultado me gusta, es coherente con la propuesta de la banda. Y bueno, la letra. En general es simple y con frases contundentes como "if you're looking for a friend you can go fuck yourself". Además, otro elemento que resalta es la ausencia de coros. Ninguna de las siete canciones se presta a ser coreada por el público.
A pesar de que el tema en cuestión es el sintetizador, !!! no lo utiliza como elemento principal, sino como invitado especial a lo largo del álbum, con la excepción de There's no Fucking Rules, Dude, la cual está completamente revestida de sonidos sintéticos. Siguiendo en la misma línea, los metales también hacen sus apariciones fugaces, inundando al oído con cierta oscuridad. Para mí, uno de los mejores aciertos del disco.
Las canciones están estructuradas en numerosos loops. Suena aburrido, pero lo interesante ocurre cuando la banda cambia el giro de la canción inesperadamente. De dulce a agrio, de agrio a amargo, de amargo a salado y de salado a ácido.
Veamos el panorama general: Sonido poco comercial, canciones muy largas, un nombre impronunciable y si a esto le sumo la ausencia de sencillos, huele a suicidio descarado. Para mí la idea dista mucho de ser mala, simplemente es arriesgada. La conexión entre cuerpo y música es digna de mención. Su mayor amenaza es la falta de un rostro que represente al álbum. ¿El mismo nombre de la banda influirá en esto? ¡¡¡ Espero que no !!!

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Del espíritu indie y el regreso del sintetizador II

Architecture in Helsinki - Places Like This (2007)
- ignore me in the parking lot i'm petrified by conversation -

Antes que otra cosa, la banda llama la atención por su extraño nombre. Confieso que busqué en vano su significado. Ya me tocará saberlo, pero mientras ese momento llega no hay que confundirse, Architecture in Helsinki no nace en Finlandia sino en Australia. Con tres discos en su haber, se nota ya una notoria transformación en la banda. Places Like This muestra a un grupo más relajado. Dejan atrás el twee pop y se unen al resurgimiento del New Wave. Tal vez en palabras no sea tan impactante el cambio, pero al escucharlos aparece una banda irreconocible a comparación de su primer entrega. Más fiesteros, más pesados, más arriesgados. Eso sí, siguen conservando el sintetizador, y lo usan bien: distribuido y sin caer en excesos. No sólo cambió la música. La nueva personalidad del grupo le ha permitido a Cameron Bird explorar sus habilidades vocales y a desarrollarse como un front-man más activo. Si bien, su voz puede llegar a sonar algo forzada, pero nada que afecte la calidad del disco.

En rasgos generales, Architecture in Helsinki editó un disco fluido, aunque claro, la duración le ayuda bastante: apenas rebasa la media hora. Considero esto un gran problema en el material. Las canciones avanzan tan rápido una tras otra que es difícil familiarizarte con ellas hasta después de un tiempo, a pesar de que algunas son bastante pegajosas. Por otro lado, a pesar de ser un disco que gira en torno al sintetizador, canciones como Heart it Races y Underwater evocan ritmos tribales. Esto le da un aspecto no tan mecanizado al álbum. Las principales influencias de la banda también salen a flote. Primero con Hold Music, que bien podría ser una extravagante composición de The B-52's. Después, el recuerdo de los Talking Heads surge durante Lazy, donde una guitarra elegante que suena con cadencia excita la memoria.
Al final, Places Like This cumple. Y aunque no va más allá de eso, se centra en sus propias limitaciones y virtudes. Límites en sus canciones algo repetitivas. Virtudes en sus canciones generalmente efectivas.

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De los tardíos noventa y sus obras maestras V

Neutral Milk Hotel - In the Aeroplane Over the Sea (1998)
- semen stains the mountain tops-

Neutral Milk Hotel sufrió una conocida tragedia: Graban con un sello independiente, editan un par de discos, son ignorados por el público, tibias críticas, no hay ventas, se separan. Posteriormente son redescubiertos por algún curioso anacrónico, la crítica los promueve, la disquera (que generalmente termina siendo comprada por un sello corporativo) saca ganancias de los disco y se les considera de culto. Claro que la escala del proceso varía en cada caso, pero así sucede.
Puede ser que Neutral Milk Hotel haya surgido en el tiempo equivocado, o al revés, que la audiencia no haya sido la correcta. Aún así, el legado de la banda ha perdurado, es objeto de referencia y sobre todo, su música se ha mantenido fresca. Jeff Mangum (vocalista, guitarrista y compositor) hizo un soberbio trabajo con el grupo.
In the Aeroplane Over the Sea concluye la trayectoria de la banda. El disco funciona con once pistas, las cuales cuatro o cinco son recibidas por el oído al instante. El resto se tiene que enfrentar a un oído más caprichoso. A pesar de esto, el álbum presenta uniformidad y procura mantener la expectación con letras y situaciones surreales. "Now she's a little boy in Spain, playing pianos filled with flames" dice Holland 1945, uno de los momentos climáticos envuelto en un tornado musical. Justo en seguida, aparece Communist Daughter, una bellísima balada que tristemente no llega a los dos minutos. La transición entre ambas canciones resulta en un asombroso contraste. De esta forma fue como Jeff se encargó de matizar la obra. Unos chispazos de Folk al inicio y al final. La impronta Lo-Fi al centro. La psicodelia como elemento transversal. No quiero sonar redundante, pero esto último es importante pues conforma el eje del disco. La relación que se genera entre la magia, imaginería y la banda es notable. Una simple guitarra y la no pulida voz de Mangum es suficiente para recrear sus fantasías en Two-Headed Boy. A esto, se suman la calidad del resto de los músicos que integran a Neutral Milk Hotel. Ellos fusionan el sonido de sus instrumentos con la experimentación y su esfuerzo se nota aún más en las únicas dos canciones instrumentales del disco, una canción sin nombre y The Fool, que rememora los momentos más oscuros de Piper at the Gates of Dawn. Aunque la mayoría son piezas de corta duración, Oh Comely rompe la relga y se extiende hasta los ocho minutos. Para mí, uno de los pocos puntos negativos de In the Aeroplane Over the Sea. ¿La razón? Es muy larga y rompe el trepidante ritmo que había alcanzado el disco. Afortunadamente le alcanza el tiempo para recuperarse y ofrecer un desenlace de altura.
No pienso extenderme más. Quiero terminar diciendo que In the Aeroplane Over the Sea es un disco orgulloso de su rareza. No titubea en aceptarlo y hace gala de canciones sencillas en manos de mentes complejas. Doy una cosa por hecho, todo lo que sale de este disco, bien podría ser el retorcido soundtrack que escucha Alicia mientras camina por el país de las maravillas.

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De los tardíos noventa y sus obras maestras III

Radiohead - OK Computer (1997)
- sleeping well, no bad dreams, no paranoia -

Tercer disco. Tercera faceta.

Es casi imposible hablar de este disco sin sonar trillado. De cualquier manera, hay que dar gracias por no haber existido un periodo de transición entre este material y el anterior, y aún mejor, esta evolución fue espontánea, simplemente se tenía que dar. Radiohead se encargó de elevar a lo más alto el Brit Pop y ofrecer otra cosa a cambio, que por cierto, es difícil de enmarcar. Lo más atractivo y novedoso en su tiempo fue lo meticuloso de su post-producción. El resultado fue una experiencia sensorial abrumadora, a veces, sofocante. Además, el disco, manejaba (intencionalmente o no) un concepto pocas veces abordado en el rock: el post-modernismo, lo cual, provee al disco de un temple analítico, reflexivo, crítico en tanto a la situación actual del hombre y la sociedad. Esto, evidente en la rarísima Fitter Happier. Aunque generalmente el sonido es taciturno y casi desalentador (lo cual me parece bastante atinado debido a los temas que abordan), canciones como Electioneering y Paranoid Android (uno de los grandes himnos de los 90's), vienen a revolucionar el disco. Desde la apertura de Airbag hasta la tranquilizadora Exit Music, y desde la famosísima Karma Police hasta la canción de cuna No Suprises, Radiohead invita a pensar en el mundo actual de una manera única y privilegiada. Unica por su gran labor de innovación, no sólo de la banda, también de los ingenieros de sonido y producción. Privilegiada por que gracias a este material, Radiohead fue considerada la banda más grande su tiempo.

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De los tardíos noventa y sus obras maestras II

Björk - Homogenic (1997)
-i'm no fucking buddhist, but this is enlightenment-

Son pocos los artistas que tienen el orgullo de ser su propia escuela musical. A lo largo de los años, Björk ha logrado permanecer fiel a sus ideas: ser ella misma, y es que a pesar de sufrir múltiples y constantes transformaciones, la identidad de Björk radica precisamente en eso, en una búsqueda del perfeccionismo, la originalidad y sobretodo la reinvención. De esta manera, es posible no tener ni idea de a qué suena Björk. Aunque por el lado contrario, resulta más fácil de lo que parece reconocer una obra suya. Así, podemos afirmar que algo es "björkiano" sin saber exactamente que conforma lo "björkiano".

A pesar de ser un disco complicado, Homogenic forma parte del material más accesible que Björk haya grabado. La fastuosidad de su producción es evidente: repetidas orquestras, gruesas capas de música electrónica y estructuras enredadas. Si bien, esas características ya habían estado presentes en Post, están más acentuadas ahora. Eso no es todo, las canciones de esta entrega tienden a ser más envolventes y reflexivas. Aunque la orquestra juega un papel decisivo en pistas épicas como Bachelorette y Jóga, es la electrónica quien se encarga de darle un cuerpo, una forma, una identidad al álbum. El resultado es ser uno de los discos emblema de la década, y además, uno de los más influyentes del siglo XXI.

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The Libertines - Live at TIM Festival (2004) [Bootleg]

Para ustedes una de las últimas presentaciones de The Libertines. Fue más o menos por estas fechas que la relación entre Carl Barât y Pete Doherty se encontraba por los suelos hasta el punto de hacer shows enteros sin la presencia de este último. Como muestra, este concierto, donde Carl se encargó de ser la voz en todas las pistas. Para esto, el resultado fue bueno, aunque la presencia de Doherty es de sentirse por muchas razones, (carisma, voz, estilo). En general la calidad del sonido es muy buena, el concierto está completo aunque algo corto (bueno, fue en el marco de un festival). Curiosamente la mayoría de las canciones incluidas pertenecen a la era Up the Bracket, siendo que se encontraban promocionando su segundo disco homónimo. De todas formas desconozco el setlist de otros shows de la gira.
Ya habrá tiempo para platicar de sus discos de estudios.

Descagar

Del sonido de Bristol y los amos del ambiente IV

Tricky - Maxinquaye (1995)
-i drink till i'm drunk, and i smoke till i'm senseless-

Hasta el día de hoy, Tricky ha podido adaptarse a una variada lista de proyectos, colaboraciones y estilos de música. Digamos que es un tipo inquieto. Fue curtido dentro de la cantera de The Wild Bunch, para después apoyar a Massive Attack, más tarde inicia su proyecto solista y al mismo tiempo se enlista en un sinfin de aportes musicales con Björk, PJ Harvey, Garbage y muchísimos más. Con Maxinquaye se cierra una suerte de trilogía no oficial (junto a Blue Lines y Dummy) sobre los albores del Trip Hop.

Para este disco, Tricky se encargó de tomar prestado samples de diferentes grupos y los rediseñó bajo un meticuloso trabajo de producción. Por ello, no es nada raro escuchar el famosísimo bajeo de Glory Box de Portishead, o la batería de Suffer de The Smashing Pumpkins. Y así, Maxinquaye es un disco muy ambicioso. Tricky se permite incursar en muchísimos estilos musicales, tanto así, que varias veces se sale del mismo Trip Hop. Canciones como Brand New You're Retro o Black Steel se deslindan del característico downtempo, aunque, dicho sea de paso, es un disco predominantemente Hip Hop.
Ahora bien, comparándolo con el resto de esta supuesta trilogía, Maxinquaye es el más complejo, misterioso, diverso y oscuro de todos, sin mencionar esa capacidad de usar atmósferas muy orgánicas, muy naturales. De igual forma, algunas de las percusiones dan la sensación de grupos tribales provenientes de la escuela de Peter Gabriel.
Parece contradictorio, pero Maxinquaye es un gran trabajo original. Por momentos pienso que se trata de arte conceptual, pero no tengo suficientes argumentos para afirmarlo. Tal vez su punto débil sea la poca fluidez entre los temas, y vaya que el disco lo sufre, sobretodo al final. Todo un collage musical.

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Del sonido de Bristol y los amos del ambiente III

Portishead - Dummy (1994)
-playing with this bow and arrow-

Hoy en día Portishead sufre de una especie de redescubrimiento entre los fans. Después de más de 10 años de ausencia, el año pasado se dieron el lujo de regresar no como un muerto que resucita, más bien, como alguien que vuelve de un auto exilio y busca el momento oportuno para anunciar su regreso. Si se le compara con Massive Attack, Portishead tiene muchísimas diferencias. Primero, Portishead funciona como un grupo más tradicional en cuanto a los roles de sus integrantes. Segundo, estructuralmente sus canciones también son más convencionales y no tan impredecibles. Tercero, la base de Blue Lines es el House, en cambio Portishead opta por el rock como su soporte. Esto puede sonar como una gran crítica a su música, para nada. Con todo, Portishead es hoy en día mucho más influyente que sus compatriotas de Bristol. El sonido de Dummy fue evocado por las obras maestras de los 90's, en referencia a Ok Computer de Radiohead y Homogenic de Björk.

Para ponerlo fácil. Dummy es un grandioso disco, hermoso de principio a fin. El trabajo en los oscuros ambientes es asombroso, contrastando con la dulce voz de Beth Gibbons. Por otra parte, Dummy no se trata del disco de Trip Hop con la mejor producción de la historia, pero sí uno de los más envolventes y cohesivos. La banda logra mantener una misma tonalidad a lo largo del disco para así hacer de Dummy un disco coherente. Queda otro punto por comentar. Increíblemente y a pesar de que el grupo goza de un segundo aire en su carrera siguen conservando un característico bajo perfil. ¿Grandes? No, enormes.

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Del sonido de Bristol y los amos del ambiente II

Massive Attack - Blue Lines (1991)
-one man struggle while another relaxes-

Dicen los que saben que Blue Lines es el primer disco de Trip Hop, o al menos la piedra angular del género. La consolidación de Massive Attack con este primer lanzamiento fue instantánea. Un disco de verdad fresco y cuidadosamente balanceado. Muchísimos matices, entremezclando altas cantidades de Soul, Hip Hop y en menor medida de Reggae. Los ritmos de las canciones se desarrollan en altibajos y a pesar de ello se deslizan con una enorme fluidez. Para la creación del material se contó con el apoyo de diversos intérpretes vocales: la cantante de Soul, Shara Nelson. El cantante de Reggae, Horace Andy, Tricky, entre muchos otros. El resultado, un proyecto grupal, el trabajo en equipo se nota y se disfruta. Ya sea desde los numerosos loops de la pista sonora hasta las supremas aportaciones vocales de cada uno de los colaboradores. Blue Lines es de lo mejor que escuchó aquella década tan diversa. Desde mi perspectiva, su mayor aporte es la fusión de ideas y consecuentemente la depuración hacia un nuevo sonido. Al fin, eclecticismo para las calles. Que quede claro, no es necesario ser amante o conocedor del Hip Hop o del Soul para disfrutar Massive Attack. El material habla por si mismo.

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De la avanzada sueca y su coqueteo con el pop III

The Concretes - The Concretes (2003)
-here comes the dark-

The Concretes aún no ha conseguido suficiente difusión internacional. Sin duda la mayor proyección que han tenido ha sido gracias a su líder compositora Victoria Bergsman, quien prestó su voz para la famosísima canción Young Folks de Peter Bjorn & John. Fuera de ahí es muy poco lo que se sabe de ellos en latinoamérica.
El sonido de The Concretes evoca mucho la vida escandinava tradicional: lugares desolados y ambientes fríos que ameritan cierta reflexión. Su música es tranquilizadora, simple, compacta. Las letras llevadas por la nostálgica voz de Victoria son pequeñas estrofas que se repiten una y otra vez, aunque lo asombroso es escuchar como se van coordinando con los poderosos metales y demás elementos de orquestra. Por esto mismo digo que The Concretes no puede ser un grupo minimalista.

Si bien, siguen la línea del indie pop pero acarrean gran seriedad con ellos mismos. Nunca vacilan con canciones muy comerciales aunque los temas presentados son trillados: amor y desamor.
En resumen, este el disco autotitulado es una gran pieza madura, digna de escucharse varias veces. Por cierto, la experiencia aumenta si se escucha de noche y solo.
Actualmente la banda se encuentra en una etapa de transición, pues Victoria se encarga ahora de dirigir su propio proyecto llamado Taken by Trees.

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De la avanzada sueca y su coqueteo con el pop II

I'm From Barcelona - Let Me Introduce My Friends (2006) [Edición EUA]
-i see what's in your eyes and i know what's in your heart-

Hace unos meses me topé con esta banda de nombre curioso. Las confusiones no se hicieron esperar, pues su canción más conocida a la fecha lleva el nombre We're from Barcelona. Además de esto, el número de personas que integran a la banda es bastante inusual. La página oficial de la banda enlista a 28 miembros. Bueno, no quiere decir que todos ellos tocan en el escenario. Muchos simplemente prestan su voz en los coros, aunque también se encuentran acordeonistas, saxofonistas, tecladistas, trompetistas entre otros. Desafortunadamente no se llega a apreciar toda esta riqueza musical debido al saturado de integrantes.

El proyecto corre a cargo de Emanuel Lundgren, compositor y orquestador de todo el material. Evidentemente se trata de una cuestión centralizada. Ahora bien, ¿cuál es la tirada de I'm from Barcelona? Música pop, punto. Let Me Intruce My Friends es un disco excesivamente fácil de escuchar. Sonidos agradables, letras optimistas, composiciones sencillísimas, ritmos pegajosos. A mi parecer se trata de una banda que puede polarizar opiniones. O te gusta, o la detestas.

Si eres del primer grupo, basta con una escuchada para clavarte. Sin embargo, después de un rato el disco se torna empalagoso, la música es demasiado positiva, tanto, que llega a ser abrumador. Eso sí, la producción es atinada, muy limpia y en instantes se llega a escuchar una versión muy (pero muy) ligera de The Flaming Lips. En fin, álbum para pasar un momento tranquilo, y quizá, te alegre el día. ¡Buen pop!
La versión que subo es la edición se lanzó en el marcado estadounidense. Le hicieron pequeñas modificaciones a la edición europea. The Saddest Lullaby fue recortada drásticamente. Además se incluyen dos canciones extras: The Painter (que había salido ya en el primer EP), valiosísimo tema y Glasses, una canción regular que le da un final bastante decepcionante y soso.

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De la avanzada sueca y su coqueteo con el pop I

Ultimamente se ha dado una especie de "boom" en los países escandinavos, particularmente en Suecia. Creo que merece la pena hablar de ello. En los 90's empezaba a sonar algo de una banda llamada The Cardigans que posteriormente consiguió llegar a los mercados mundiales, la cual la considero el referente inmediato de todas la bandas que vendrían después. Sin embargo, una década atrás Europe había también logrado éxito comercial. Aún así, estos hechos son tomados como independientes, no hubo una secuencia. Ya durante el nuevo milenio, una nueva camada de músicos invadiría los escenarios, algunos más orientados al rock (The Hives, Mando Diao, Kent) y otras más al pop, de lo cual se ocupa la entrada.

Ahora, ¿por qué apenas entrado el nuevo milenio se comienzan a generar estas propuestas? Trataré de dar posibles respuestas, algunas más obvias que otras. El auge del internet es un factor importante. Sin él, sería casi imposible conocer las nuevas propuestas de regiones distantes (y esto no sólo aplica al mercado escandinavo). Tomando en cuenta que esto es cierto, intuyo que las bandas ya estaban ahí, simplemente necesitaban proyección. El aspecto económico es importante aunque no primordial. Suecia se cuenta entre los países más ricos del mundo. Si bien, esto habla de que pueden darse el lujo de producciones más sofisticadas, no habla para nada de un impulsor del boom, pues Suecia ha sido una rica nación desde hace tiempo. Otro punto. La región escandinava ha estado parcialmente descentralizada de la hegemonía inglesa y eso le permite tener más libertades creativas, y por lo mismo nuevas ideas. Otro impulsor, es el uso del inglés en sus letras. Por último, la vertiente pop que manejan está estrechamente relacionada con toda la cultura hipster muy popular en nuestros días. Un espacio ideal a explotar.

Peter Bjorn and John - Falling Out (2005) [Edición Especial]

-i decided to make sense stop acting strange-

Sí, son tres. Sí, también bautizaron a su banda con sus nombres reales, lo cual me parece curioso. ¿Qué pasa si uno de los miembros sale de la banda? ¿Se llamarían ahora Peter and Bjorn, o Bjorn and Peter? ¿Y si entrara un nuevo integrante, ahora serían Peter, Bjorn, John and Lars? Bueno, lo más probable es que sigan llamándose igual pase lo que pase.
Aunque Falling Out es su segundo disco, no sería hasta su siguiente entrega que alcanzarían fama mundial. En sí, no hay mucha diferencia entre este disco y Writer's Block. Algo que suena a Folk en manos de jóvenes curiosos y si esto es poco, uno de ellos tres canta como Liam Gallagher en sus mejores tiempos. Composiciones ligeras, pegajosas con una ligera embarrada de sintetizadores, todo agarrando forma hasta convertirse en una gran pieza creativa, ingeniosa sin ser empalagosa. Uno de sus puntos más fuertes (y que se siente con intensidad) es la manera tan relajada con que hacen música. Esto les da mucha seguridad. Además tienen una facilidad bárbara para encontrar sonidos digeribles y explotarlas al máximo.
Dos años después, la disquera relanzó el álbum con canciones extras, todas ellas al mismo nivel del disco original, aunque puede que Unreleased Backgrounds sobresalga entre todas ellas, una canción medio progresiva que conserva su sencillez. ¿Contradictorio?
Pues bien, sigo a esta agrupación desde hace rato, puedo ahora decir que es de mis favoritas en el género. Disco indispensable.

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Arcade Fire - Funeral (2004)

-if you want something don't ask for nothing
if you want nothing don't ask for something-

Falta poco tiempo para que la década termine, tiempo suficiente para hacerme a la idea que Arcade Fire ostenta el título de las mejores bandas de su género en lo que va del siglo y Funeral es la obra que los coloca en esa posición. Sin embargo, ¿cuántas veces no ha pasado que bandas promesas después de un tercer o cuarto disco se derrumban?. Es mejor pues, guardar la calma.
El grupo se forma oficialmente durante el 2003 en Montreal. Con un EP ya en su historial, graban Funeral, y con él, un merecido reconocimiento mundial. Ahora, ¿por qué tanto alboroto por una banda canadiense? Muchas razones. Toman como modelos a seguir a David Bowie y David Byrne, y por ende, logran conjuntar ideas de arte, experimentación, rock, pop. El título del disco anuncia ya algo que al momento de escucharlo se hace evidente, un grito prolongado que lamenta un pasado tormentoso e irrevocable, algunas veces oponiéndose a melodías dulces y agradables. Todo esto gracias a la capacidad de los diversos músicos multi-instrumentalistas que integran al grupo (siete miembros oficiales). Orquestras de fondo que confieren una enorme profundidad a la música. Todo esto me parece excelente, pero lo mejor vino al darme cuenta de que los límites entre el art rock y el indie rock son prácticamente nulos.
Arcade Fire no se creyó esa absurda idea que presupone al indie como una masa amorfa impulsada por hipsters extravagantes. Bien por ellos, y si alguien me pregunta que si Arcade Fire crea música pretenciosa, diría que sí sin pensarlo. Total, no me importa.

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